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北京城西，一间古色古香的绣坊里，刘晓燕的指尖在素绢上起落如蝶。金线与绒线在阳光下交织出一片微缩的山河。每一针下去，都是在和千年文脉对话。刘晓燕的目光掠过案头堆积的绣稿，那些被反复勾勒的纹样里，藏着京绣从宫廷走向民间的密码。作为京绣第五代非遗传承人，这位曾在游戏公司担任原画师的跨界者，用20载光阴完成了从绣娘到文化使者的蜕变。刘晓燕在传统与现代的经纬间绣出一条非遗传承的创新之路，让曾禁锢于朱墙之内的宫廷绣艺，化作飞入寻常百姓家的文化青鸟。
北京工艺美术大师、京绣第五代非遗传承人、绣之玺梦品牌创始人、LIUX IAOYAN京绣工坊负责人。
代表作品《云起龙升》《盛世五福》《福蝶》《太师少师》《寅虎安康》等分别获得北京工美大赛奖项。《盛事岁朝图》收藏于朝阳档案馆。代表中国非遗技艺出访乌兹别克斯坦、希腊、意大利、迪拜等国家，个人京绣专题纪录片在非洲、亚洲、欧洲等地播出；己巳蛇年与意大利副总理共绣团扇，并被其收藏，同年于深圳珠宝博物馆举办《京绣新华》京绣个展。中英《美美与共，从北京到诺丁汉》传承板块作品展。参与联合国教科文组织东亚地区（2025—2026年）——“非遗即时尚”项目。
1980年，刘晓燕的童年浸润在针线与草木染的气息中。家里的绣绷永远摆在堂屋阳光最好的地方，姥爷的裁缝铺里，量尺与剪刀在布帛间游走成诗。“那时候不懂什么叫非遗，只觉得姥姥绣的金龙眼睛会跟着人转。”谈起京绣，刘晓燕非常投入。那些被长辈视为辛苦活的针线活儿，却成了小女孩最着迷的游戏。刘晓燕躲在老屋里，用碎布头废线模仿着绣出歪歪扭扭的牡丹，偷偷将姥爷裁剪剩的缎带编成穗子。“长辈总说女孩子要读书，可他们不知道，我的第一堂文化课，就在这一针一线里。”刘晓燕回忆道。
成年后的一次博物馆邂逅，让刘晓燕突然读懂了童年记忆的重量。当她在玻璃展柜前看见朝袍上的纹饰，那些曾在姥姥绣绷上见过的日、月、星辰、山、龙……突然有了庄严的注脚。“原来每一个纹样都是文化密码，图必有意，纹必吉祥，古人把对生活的祈愿都绣进了丝缕里。”刘晓燕眼神中流露出欣喜之色。这场跨越时空的对话，让刘晓燕辞去游戏公司的工作，背着绣绷踏上寻访之路。3年间，她走遍苏州、蜀地、湘楚、岭南、京畿，在各地染织绣工坊里学艺，记录下多种传统针法。“京绣本就是集大成者，古时作为燕京八绝之一的京绣曾吸纳各地绣艺精华，我要做的，是让这份集大成在当代继续生长。”刘晓燕目光坚决。
“创新不是颠覆，是让传统换一种方式呼吸。”刘晓燕指着案头的《百蝶图》绣稿，传统纹样里的蝴蝶依然保持着古代画谱中的舒展姿态，却在配色上融入莫兰迪色系。“你看这只青斑蝶，翅膀用的是戗针绣，但底色换成了雾霾蓝，年轻人叫它高级感，可骨子里还是庄生晓梦迷蝴蝶的诗意。”
刘晓燕坚持京绣的“形变质不变”原则：平金绣的金线必须保持0.3毫米的间距，打籽绣的每粒“籽”都要圆润饱满。“针法是京绣的骨，纹样是京绣的魂，骨正才能魂安。”在与某国际品牌合作时，对方要求简化传统金龙技法，她当场拒绝：“可以调整构图，但龙鳞的绣制规矩不能破，这是文化尊严。”
在刘晓燕的创新版图里，京绣不再局限于华服绣品，而是化作胸针上的雀羽、车载香包上的云纹、茅台瓶身的制酒图。“化繁为简不是简单做减法，而是把吉祥寓意提炼成现代符号。”她设计的“仙山系列”胸针，将石景山轮廓抽象为青绿山水画，用金线勾勒出山脊云雾。“年轻人说这是把江山放在心中，更是寿山福海的传统寓意。”刘晓燕如此解读。最近创新的是“蚕丝钢”系列：当科技把首钢的钢丝变成可媲美蚕丝的新材料，她用京绣针法绣出了刚柔并济的五色祥云，寓意平安顺遂，和谐共生！
房山周口店镇的京绣传习工坊里，52岁的绣娘刘淑琴正在绣制节气系列书签。“以前在地里干活，手上都是老茧，现在拿绣花针，居然能挣城里人的钱。”刘晓燕创办的工坊已培训2000余名农村妇女，她们绣制的香囊、团扇等文创产品销往全国。“非遗不能只放在博物馆里供着，要让它成为乡村的绣金产业。”在刘晓燕的规划里，工坊不仅是生产场所，更是文化课堂。每周都有普及课，绣娘们会围坐在一起，听她讲解每道工序以及背后的故事。“她们绣的不只是图案，更是在传递文化基因。”刘晓燕表达出自己对于非遗文化传承的深刻见解。
在乌兹别克斯坦的刺绣艺术节上，刘晓燕的京绣首饰系列作品引发关注，当外国观众指着绣品说Silk Road时，她突然明白，京绣是可以跨越语言的文化使者。刘晓燕带着京绣走过10多个国家，她的宣传片在30多个国家播出，在时装周展示新中式高定，在非洲传授平金绣技法。最难忘的是在雅典和罗马，她用京绣胸针作为外交礼品共筑国际友谊。“古老的文明与蚕丝相遇，这就是文明互鉴的最佳注脚。”
“先要掌握绘画白描技法，再练一年基本功，才能开始绣制京绣花卉。”在高校设计专业的课堂上，刘晓燕对着台下学生们抛出“硬核”要求。刘晓燕的学生里，有人将京绣纹样转化为潮牌卫衣的印花，有人用数字技术复原了清代《刺绣服饰图谱》。“我告诉他们，创新的底气来自对传统技法和文脉的深刻理解。了解其中的讲究和规矩，才能明白如何用现代工艺改良。”对于非遗传统的传承，刘晓燕有着自己的坚持和原则。
在短视频平台上，“京绣刘晓燕”的账号已积累50万次播放量。镜头里，刘晓燕时而化身绣娘，演示传统纹样的绣制过程，时而变成时尚导师，讲解如何用京绣纹样搭配现代穿搭。“年轻人喜欢看技术流，我们就做绣花教程；他们关注天然，我们就推出植物染丝线面料。”刘晓燕在坚守传统的同时，又做到了与时俱进。未来，她会尝试用京绣针法绣制游戏角色场景，与自己的职业积淀相呼应“有人说这是文化降维，但我觉得，当年轻人在虚拟世界里感受着来自传统实物的气息，文化传承就发生了奇妙的化学反应。”
“传统珠宝太贵，年轻人需要轻奢侈品。”刘晓燕推出的“类珠宝”系列胸针，以孔雀羽线与黄金线等稀有材料为材质，用精湛的制作工艺替代珠宝的稀有性。“铺翠工艺源自古人对自然的敬畏，用天然孔雀羽装点生活，雀羽的光泽在灯光、日光、烛光下色彩斑斓，同钻石的折射光，呈现的色彩和视觉美学同理。”刘晓燕深谙年轻人的情感需求，为高考学子设计的“连中三元”书签，在荔枝纹样里藏着祝福；七夕推出的“并蒂莲”刺绣手账本，内页印有《长恨歌》诗句。“每一件作品都是文化叙事的载体，我们卖的不是商品，是可触摸的文化记忆。”刘晓燕对文化叙事有着深刻的解读。
在小天鹅京绣主题旗舰店，顾客仿佛置身于清代绣坊，扫码参与京绣纹样拼图游戏，“当年轻人为了集齐京绣徽章熬夜奋战，传统纹样就悄悄住进了他们的记忆里。”刘晓燕还策划了“京绣香囊盲盒”项目：每个盲盒里装有不同的吉祥京绣纹样香囊，“拆盲盒的瞬间，就像在打开古人的祝福锦囊，这种惊喜感，和我们小时候偷翻姥姥绣绷的心情是一样的”。
结束语：站在燕京八绝博物馆里，刘晓燕望着自己耗时3年绣制的《云起龙升》作品，金线勾勒的金龙在灯光下龙鳞叠瓣气势非凡。“有人问我，京绣的未来在哪里？我说，就在年轻人的手机里、衣橱里、生活的每个细节里。”刘晓燕轻轻抚过绣品上的瑞兽纹样，目光坚定，“当我们能在传统与现代之间找到那条隐秘的金线，文化传承就真正拥有了穿越时空的力量。”
一针一线，穿引百年时光；一纹一色，晕染民族风华。她是手握银针的守艺者，也是跨界创新的掌灯人。从家族刺绣坊的袅袅丝线中走来，她以“纳兰红”为舟，载着满绣的千年美学驶向国际时尚的浪潮；她以科技为翼，让非遗在数字化领域实现新发展；她以“守正创新”为针脚，绣出一条非遗活态传承的锦绣之路。她就是国家级满族刺绣第五代代表性传承人、2017年中国非遗人物百强刘思彤。
国家级非物质文化遗产代表性项目满族刺绣第五代代表性传承人、中国非遗人物百强、纳兰红品牌创始人、中华全国工商业联合会女企业家商会常务理事、首创非遗与设计学院专家、首都师范大学政法学院青少年美育研究发展中心艺术顾问，师承于国家级非物质文化遗产满族刺绣第四代代表性传承人刘雅梅。
当第一缕阳光轻柔地洒在古老的绣架上，细密的丝线在光影中闪烁着微光，刘思彤仿佛又回到了那个充满艺术气息的童年。从小她便在满绣的浓郁氛围中耳濡目染，家族中长辈们指尖翻飞间，一幅幅精美的绣品便悄然诞生，那些栩栩如生的花鸟鱼虫、典雅庄重的传统纹样，如同神奇的魔法，深深吸引着年幼的她。
在家族的熏陶下，刘思彤对满绣技艺产生了浓厚的兴趣，并开始踏上探索创新的道路。她深知，满绣作为满族特色的非物质文化遗产，以其独特的美和精湛的制作工艺独步世界，承载着民族的历史记忆和文化精神。为了将这份民族瑰宝传承下去，她不断努力，致力于将满绣文化与百姓生活融为一体，让更多的人了解和喜爱这门古老技艺。
2013年，怀揣着对民族文化的热爱和对满绣传承的使命感，刘思彤创立了纳兰红高级旗袍定制品牌。这一品牌的诞生，犹如一颗石子投入平静的湖面，激起了层层涟漪。
“为什么要创立纳兰红品牌呢？因为我想让更多的人看到满绣的魅力，让中国传统旗袍融入当代西方的时尚元素，演绎出东方女性的典雅、高贵与时尚。我希望通过这个品牌，让世界更加了解中国满绣，让活态传承走进生活，让民众更有文化认同感。”刘思彤坚定地说道。
在纳兰红品牌的经营过程中，刘思彤付出了无数的心血。她精心挑选每一块面料，严格把控每一个制作环节，力求将满绣的精湛技艺与时尚元素完美结合。经过12年的不懈努力，纳兰红品牌不仅在国内市场赢得了良好的口碑，还让中国非遗满绣站上了世界舞台。
在一次时装周上，纳兰红的满绣旗袍惊艳亮相。模特们身着绣工精美、设计独特的旗袍，迈着优雅的步伐走在T台上，仿佛将东方文化的韵味带到了世界的每一个角落。那一刻，刘思彤心中充满了自豪和欣慰，她知道自己的努力没有白费，满绣文化正在被越来越多的人所认识和喜爱。
在坚守传统技艺的同时，刘思彤深知创新的重要性。她积极探索将现代元素融入满绣作品的方法，让古老的技艺焕发出新的活力。“我们与国承元速合作打造了虚拟数字人，用3D技术还原刺绣旗袍。”刘思彤兴奋地分享着她的创新尝试，“这是一种技法与呈现方式的创新，能让更多人通过科技手段感受到满绣的魅力。”
刘思彤的作品总是能让人眼前一亮。她将满绣的盘金绣、打籽绣等技法与西方立体剪裁结合，设计出兼具东方典雅与西方时尚的高定旗袍。尤其在2018年的北京时装周上，她的纳兰红系列与施华洛世奇水晶相结合，实现了材质和工艺的创新。“旗袍的剪裁中融入了立体剪裁和简约线条，既保留了传统廓形，又符合现代审美。”刘思彤拿起一件旗袍，指着上面的装饰说道。
除了技法与工艺的创新，刘思彤还在主题与题材上进行了大胆尝试。“我受纳兰性德348首诗词的启发，创作出了拥有原创版权的旗袍作品。”她笑着说，“这些旗袍不仅是一件件艺术品，更是文化的载体，能让人们在欣赏美的同时，感受到诗词的韵味。”
非遗是民族的“文化基因”，它不仅是历史的见证，更是当代生活的精神底色。为了让满绣更好地融入现代生活，刘思彤的艺术创作始终围绕“生活化”。“我们开发了配饰、家居装饰等实用产品，还结合婚礼、晚会等现代场景，为不同场合设计满绣服饰。”她举例说，“比如我们为央视戏曲频道、北方昆曲剧院设计服装，让满绣出现在更贴近大众的舞台上。”除此之外，她还跟故宫角楼咖啡合作推出了“满绣款紫禁随行杯”，为经典杯器“紫禁随行杯”华服加身。
在创新的过程中，刘思彤始终坚守着满绣的原真性与文化内涵。她认为，非遗的创新不是对传统的摒弃，而是在传承基础上的发展。“在材料与工艺上，我们坚持使用传统丝线、金线等原料，通过‘本真性生产’策略，从创作题材到制作材料都贴近清代皇家艺术，同时融入当代美学。”刘思彤认真地说，“中西合璧的设计理念，也是为了在保留传统的基础上，满足现代人的审美需求。”
满绣作为中国传统文化的组成部分，承载着民族历史的记忆和美学精神。刘思彤强调，非遗传承能增强民众对本土文化的认同感。“发扬满绣文化，不仅能让世界了解中国，还能让国人更骄傲于自身文化血脉。”她指着旗袍上的纹样说，“你看这些龙凤、宝相花等传统图腾，传递着吉祥寓意和民族价值观，非遗是‘世界了解中国的窗口’。”
为了更好地守护满绣的原真性，刘思彤反对“伪创新”。她明确表示，创新需建立在历史认知之上，避免文化内涵的曲解。“我们不能将旗袍简单定义为‘连衣裙’或过度商业化地‘恶搞’，这是对传统文化的亵渎。”
在她的努力下，满绣作品《500罗汉》成功申请吉尼斯世界纪录，以国际认可的方式彰显了中国技艺的高度。“这是对满绣技艺的一种肯定，也让我们更加坚定了传承和创新的信心。”刘思彤自豪地说。
对于年轻消费群体，刘思彤有着深入的了解。她认为，要打造吸引年轻人并符合他们需求的产品，需要具备“三感”。“一是科技感，比如数字藏品；二是参与感，比如开放纹样设计DIY，让年轻人成为‘共创者’；三是态度感，通过满绣传递‘传统不古板’的文化自信。”
在她的努力下，纳兰红推出了一系列吸引年轻人的产品，如“国潮满绣卫衣”，将传统纹样与街头风格结合，让年轻人穿出品位与态度。这些产品一经推出，便受到了年轻人的热烈欢迎。
刘思彤认为，品牌是非遗的“活名片”，平台是传播的“加速器”。要更好地发挥各方力量推动非遗的创新发展，需要品牌、平台、传承人等各方共同努力。同时，刘思彤也希望更多的年轻人能够加入非遗传承和创新的队伍中来。她认为，年轻人具有创新思维和活力，能够为非遗传承带来新的思路和方法。
作为满绣非遗第五代传承人，刘思彤对年轻一代非遗传承人也寄予了厚望。“历史文化遗产承载着中华民族的基因和血脉，年轻传承人要‘守得住初心，跟得上时代’。”她语重心长地说，“既要沉下心学习传统技艺的‘里子’，也要抬头看世界，用新技术、新思维激活传统。同时，我们也要通过举办‘非遗创新大赛’等活动，让年轻人在实践中感受创作的乐趣与价值，吸引更多年轻人投身非遗传承与创新事业。”
采访最后，刘思彤坚定地说：“非遗传承不是‘守旧’，而是‘让传统活在当下’。我相信，只要我们坚持本真、勇于创新，满绣这样的非遗技艺定能在新时代绽放更加耀眼的光芒！”
如何让“非遗活在当下”，是一个时代命题。近日，本刊特邀作家盛蕾围绕北京时尚之城建设话题，对话我国非遗紫砂大师王潇笠，探讨如何让古老的传承在当今时代依然时尚、依然“活得精彩”。
中国工艺美术大师
常州工业职业技术学院教授
正高级工艺美术师
全国陶瓷行业技术能手
首批工艺美术大师传承创新基地
中国艺术研究院访问学者
中国工艺美术大师工作委员会
陶瓷艺术专业委员会副秘书长
全国工艺美术标准化技术委员会委员
中国工艺美术学会理事
中国工艺美术学会空间
艺术专业委员会副主任
中国陶瓷工业协会会员
无锡市非物质文化遗产项目代表性传承人
盛蕾：王老师，您好！我们先来探讨一个笼统的问题：您认为传统工艺在现代社会面临的最大挑战是什么？
王潇笠：作为扎根传统工艺30余年的实践者，我认为传统工艺在现代社会面临的其实是挑战与创新机遇并存的局面。传统工艺面临三大核心挑战：一是文化生态的断层，随着现代生活方式变革，许多传统工艺的原生应用场景逐渐消亡；二是创新的困境，传统工艺产品陈旧；三是传承的危机，人才断层与工匠精神式微。
那么，如何通过创新提升传统工艺的现代适配性呢？王潇笠提出：核心是提升传统工艺的功能性，从“博物馆体”的展品思维向“生活美学”思维转变。将技艺植入现代生活场景，如紫砂技艺可跨界开发茶空间香器、文人书房摆件等，或者融入民宿设计等。同时，设计赋能与科技融合，构建传统与现代的美学对话，实现数字化传承与产业化升级。另外，构建可持续传承体系，在基础教育中植入工艺美学课程，建立“非遗研学+高校工作室”体系，培养既懂技艺又通市场的复合人才；创建非遗传承生态聚落，实现技艺传播与经济收益双赢。
传统工艺的现代转化，就是在守正创新中重塑文化主体性。既要警惕“博物馆式”的僵化保存，也要拒绝“去脉络化”的伪创新。要坚守“工匠精神”的内核，并以开放姿态拥抱时代。
盛蕾：您如何看待非遗在当代社会的价值？如何通过艺术创作让非遗更好地融入现代生活？
王潇笠：我认为非物质文化遗产在当代社会的价值已超越单纯的技艺传承，它是民族精神的文化基因、社会发展的活力源泉，更是连接传统与现代的桥梁。目前，非遗正从“文化资源”转化为“经济动能”，赋能经济发展，助力乡村振兴。在物质丰裕的当下，非遗以其手工温度与人文叙事填补了现代生活的精神空缺。非遗不仅是技艺，也是“有故事的产品”与“有底蕴的体验”，更是一种健康的生活方式。
非遗要融入现代生活，首先要打破非遗的“展品化”局限，将其融入实用场景，让非遗回归日常生活。其次，可以进行跨领域协作，与时尚、科技、教育等行业联动。例如与设计师合作，将非遗元素植入时装、家居、饰品等领域，根据用户需求创作个性化作品；也可以创建非遗研学基地，建立“非遗工坊+体验中心”，拓宽非遗的展示渠道。
非遗的当代化是要通过创造性转化赋予其新语境下的生命力，要让非遗真正“用起来”“活起来”——变“纪念品”“奢侈品”为“生活必需品”，使其成为构建美好生活的重要力量。
盛蕾：当下的北京正在打造“北京国际消费中心”建设、“全国文化之都”建设和“北京时尚之城”建设。您认为在此大背景下，非遗产品如何更好地与现代消费趋势结合，凸显文化品位与时尚魅力，并提高其市场竞争力？
王潇笠：以“非遗活态传承”为核心理念，探索传统技艺与现代消费需求的融合之道。结合当下市场趋势与实践经验，我认为非遗产品提升竞争力需从以下几个方面发力：
一是重视设计创新，重构非遗美学语言。既要保留非遗精神内核，又要符合年轻群体追求“新中式美学”的消费偏好。
二是跨界材质与功能革新。要敢于突破传统材质限制，探索非遗技艺的跨领域应用。例如紫砂与贵金属镶嵌结合开发日用器皿、轻奢饰品等，通过功能性转化使非遗产品复购率提升。
三是针对不同消费场景开发细分品类。比如生活美学场景中，可以开发非遗元素茶器、香器、文房摆件等；社交消费场景中，可以开发非遗联名潮玩、节日限定礼盒等；文旅体验场景中，可以营造体验式消费场景、沉浸式手作套件等。
盛蕾：在时尚产业中，年轻人是消费主力军。对于年轻消费群体的喜好习惯，结合您从事的非遗技艺，在您看来如何打造吸引年轻人并符合他们需求的产品？
王潇笠：非遗年轻化不是简单的形式革新，而是文化基因的创造性重生。
“三廖堂”是我创立的面向年轻消费群体的紫砂品牌，我的女儿沙帛羽担任该品牌的主理人。“三廖堂”通过解构传统符号、结合新工艺新材料、跨界情感联结的三维策略，以“承古创新”的工匠精神为核心理念，致力于构建兼具历史厚度、文化深度与时代感知力的当代紫砂艺术品牌，获得年轻消费群体的认可。比如《宝象》灵感来源于陕西历史博物馆藏的当代鎏金鹦鹉纹提梁银罐，提炼罐身鹦鹉纹这一核心元素，传承其吉祥寓意；《千秋》中的装饰元素来源于中国传统服饰中的图案“江崖海水纹”，明清时期皇家龙袍、官服的装饰，寓意江山永固；《坦然》提取《千里江山图》中青绿山水的造型与色彩等。
在功能性设计层面，“三廖堂”还突破传统器型的限制，创新开发出集温茶、煮水功能于一体的温茶炉套装，以及符合现代生活场景的凉水壶等产品，通过功能创新有效拓展了紫砂茶器的实用边界。
此外，“三廖堂”还立足新时代文化语境与生活方式的变迁，以紫砂器物为载体，以传统工艺创新设计为依托，结合当下潮流“谐音梗”元素，设计出《不蕉绿》《去煤气》等热销作品，吸引了众多年轻粉丝的追捧。
这些作品在年轻消费群体中引发“东方美学复兴”热潮，线上预售常出现“秒空”现象，同时满足高端礼品市场需求。市场数据显示，这类创新产品在35岁以下消费者中的复购率提升42%。
盛蕾：一项事业的兴盛需要前赴后继，您对年轻一代非遗传承人有何建议？如何吸引更多的年轻人投身非遗传承与创新事业？
王潇笠：年轻一代的传承人需以敬畏之心理解非遗的精神内核，深挖文化基因，融入现代设计语言，既保留传统技艺的“筋骨”，又赋予作品当代审美价值。使得非遗产品能够从单一功能向生活化、社交化等多场景延伸。
人才是行业发展的第一资源，也是非遗传承的主要抓手，非遗的传承与创新需要更多青年力量的注入。
首先，要推动非遗教育融入国民教育体系，通过在中小学、高校开设非遗相关课程或讲座，邀请非遗传承人进校授课，让学生从小接触和了解非遗文化。鼓励高校开设非遗保护和传承相关专业，培养专业人才。开展公益培训活动，提升年轻人的非遗技艺水平。加强校企合作与产教融合，鼓励政校企共建非遗实践基地，为学生提供实践机会，帮助学生实现技艺与经济的双重提升。
其次，充分利用新媒体平台，借助短视频、直播等新媒体形式，让更多年轻人了解非遗。通过展现工艺细节，激发更多年轻人对匠人精神的共鸣。打造非遗品牌，推进非遗品牌化建设，将非遗与现代科技、时尚元素相结合，开发具有现代审美和实用价值的非遗文创产品。
另外，还可以将非遗与旅游相结合，开发非遗主题旅游线路和体验项目，并通过举办非遗文化节、文化展等多元化非遗体验项目，吸引年轻人参与非遗技艺的全流程创作，增强非遗的文化影响力。
非遗原真性不是凝固的标本，而是“活水长流”的文化实践。
唯有让非遗既“活”在博物馆，又“火”在生活场景；既“传”于匠心坚守，又“创”于时代脉搏；在深潜历史的洪流中，方能真正成为引领消费潮流的文化力量！
作家介绍：盛蕾，作家。中国散文学会会员、中国文字著作权协会会员、北京作家协会会员。文学作品散见《人民文学》《十月》《青年文学》《解放军报》等；部分作品结集出版入选《潮北京》系列丛书、《最美北京三部曲》系列丛书、《百年跫音》等，代表作《我的博物馆》（外文出版社）。
雷公山麓云雾缭绕，清水江畔芦笙悠扬。走进贵州雷山县的苗寨，银饰的敲击声与山间的鸟鸣交织成诗，苗族银饰制作技艺国家级传承人杨光宾正在工作室里认真地将熔炼过的白银反复捶打，再经过拉丝、錾刻、编结、焊接等30多道工序，将一副造型精美的苗族银饰制作出来。在银火交织的璀璨世界里，杨光宾如一位执着的文化守夜人，锻造苗族银饰的风华。
苗族，1963年生于贵州省雷山县西江镇控拜村银匠世家，家族第五代银饰锻制技艺传人，2007年，被文化部命名为“首批国家级非物质文化遗产苗族银饰锻制技艺传承人”；2011年，被评为“贵州省工艺美术大师”。其作品《苗族银花冠》获“2009天工艺苑·百花杯”第十届中国工艺美术精品奖金奖；《银马花冠》获第十三届中国工艺美术文化创意奖金奖。他的2180余件作品被国内外博物馆等收藏，其中《黔东南少数民族11个支系苗族银饰套装》被中国美术馆收藏；《雅灰银胸牌》被墨西哥国家多元文化博物馆收藏。
杨光宾出生于贵州雷山西江控拜银匠世家，是家族的第五代传人。两个哥哥很早就参军入伍，杨光宾成为家中唯一子承父业的银匠师傅。“技艺容不得半点马虎，切忌急功近利”，想起父亲说的话，杨光宾仿佛又回到儿时看父亲用细如发丝般的银线编织出栩栩如生的蝴蝶，蝴蝶在阳光的照射下闪耀光芒，映亮了他眼中的憧憬。杨光宾在六七岁就给父亲打下手，13岁正式跟随父亲学习苗族银饰锻造技艺，从最基础的熔银开始学起，制作银饰的每一道工序都需要夜以继日地练习，勤奋刻苦的精神、幼年时期就跟随父亲学习所积累的经验，加之颇高的悟性，杨光宾在一年之后便成功出师。15岁时，杨光宾开始独立制作银饰，16岁带徒弟一起走乡游寨制作银饰，至今已40余年，杨光宾制作银饰的技艺早已炉火纯青，游刃有余。
学习制作苗族银饰与传承技艺的道路并非没有波澜，汗水浸透衣衫，双手磨出厚厚的茧子，花费大量时间精雕细琢制作出的银饰，收益却不高，杨光宾也曾跟父亲谈到做这一行太累太辛苦，“父亲跟我说：‘不要想其他的，你做好了，路会找你的’，这句话我一直牢记于心，也让我受益匪浅”。在20世纪80年代，寨中越来越多的人离开家乡，外出谋求更好的发展，当时在外打工一天所赚的工资是杨光宾制作一天银饰的几十倍，尽管朋友也劝说杨光宾与他们一同去闯荡，但他始终没有动摇。数十年如一日地执着坚守，让杨光宾在银饰制作领域积累了深厚的造诣。他打造出的银饰作品，工艺精湛，造型巧妙，具有极高的艺术价值。2005年，42岁的杨光宾成为首批国家级非遗传承人，也是当时最年轻的入选者。
对技艺纯粹的追求让杨光宾在年轻一代匠人里脱颖而出，杨光宾制作的作品远销全国各地，受到国内外专家学者和各界人士的好评，并且有2180余件作品被收藏在博物馆、美术馆、学校中，如“苗龙系列”和“编丝手镯”就在北京举行的2009年中国非物质文化遗产传统技艺大展上被中国艺术研究院收藏。
苗族银饰不仅是金属的艺术，更是苗族文化的基因链，其承载着族群记忆、文化图腾与生活美学，它用银线编织历史，以纹样诉说信仰，在方寸之间构筑起一个民族的精神原乡。然而大规模机器自动化生产给非遗手工艺制品带来了巨大的冲击，机器化生产可以实现短时间内的大量廉价复制，参与手工制作的技艺及相关的文化传统会因为追求效益而简化或淡化，苗族银饰失去了手工艺术的天然质朴之美和文化内涵。
工业化生产要求银饰规格统一，而苗族祖传制作银饰强调“一件一匠”的独特性，杨光宾制作一套完整的苗族银饰大约需要半年的时间，银饰的每一个图案都要悉心勾勒，每一处细节皆需认真对待，这导致手工制品成本高、难量产，不少消费者更倾向低价机制品。“机器做出来的银饰，没有温度，缺少魂魄。”谈起会不会使用机器来制作银饰，杨光宾目光坚定，“我是宁失十两银，不负一份工，国家现在也越来越保护传统手工艺，我们更要恪尽职守，精益求精，让非物质文化遗产充满活力地传承下去。”
目前，“苗族银饰”市场乱象丛生，这让杨光宾忧心忡忡，他深知若任由锌白铜镀银的代用品“苗银”鱼目混珠，苗族银饰的声誉将受到严重侵害。而杨光宾始终坚守传统工艺，以纯银为材，用祖辈传承的手工技法精心雕琢，每一件作品都融入本民族传统纹样，彰显独特文化底蕴。“旁人的做法我无力干涉，但我有自己的坚持！”杨光宾坦言，“要对得起自己，对得起职业操守，对得起祖辈流传下来的宝贵财富，更要对得起国家的扶持，这些承载着历史与文化的老手艺与制作作品时的赤子之心，一旦丢弃，苗族银饰也就失去了灵魂与价值。”
当传统工艺遇见现代审美，这些“戴在身上的文化遗产”，正以新的姿态续写着跨越千年的文明密码。“受到现代化浪潮的冲击，传统工艺也在进行创新，但一定是根植于文化脉络和内核的创新，苗族银饰文化传承和保护需在维持本真性与激活生命力之间寻找平衡点。”杨光宾如是说。
因为苗族没有文字传承，苗族银饰是一部无字的迁徙史诗，苗族银饰纹样中“江河纹”“山川纹”“枫叶纹”等，暗合祖先跨越黄河、长江的迁徙路线；“骏马飞渡纹”再现部落征战与渡河场景，成为族群历史的视觉记忆；银饰上的“太阳纹”“蝴蝶纹”则源自苗族古歌，象征对自然力量的崇拜与祖先溯源——蝴蝶妈妈孕育人类的传说，通过银饰浮雕代代相传。“要继承文化，根植自己独有的文化底蕴后，再去创新。我至今还在寻找苗族遗失的银饰纹样，有一些可能注定要埋藏于历史的褶皱里了。”讲到这里，杨光宾带有些许遗憾。
除了与不同民族、不同领域的非遗传承人交流学习，将各自的文化符号融合创新，年轻匠人还将苗族图腾与现代极简美学结合，推出“蝴蝶妈妈”系列银戒、“迁徙纹”锁骨链，吸引Z世代消费；贵州西江千户苗寨开设银饰工坊体验项目，游客可亲手制作银饰，通过文旅融合，让技艺从“博物馆”走向生活；使用3D扫描技术复原百年前的银饰纹样来开发虚拟银饰NFT，让古老工艺在数字赋能中延续生命力。
“现在来说，许多非遗项目因传承人才青黄不接，仍面临着技艺失传的风险。”杨光宾在传承非遗文化上有独到见解，对于自己的几十位徒弟，他从来都是倾囊相授，不仅如此，杨光宾十分支持非遗进校园活动，以中华文化之美引领当代学生增强文化理解力和文化认同，坚定文化自信，他也将自己毕生所学耐心地传承给年轻人。“我希望通过我的努力，让更多的年轻人了解和热爱苗族银饰制作技艺，这不仅是我的工作，也是我作为非遗传承人的使命。”
当地的非遗进课堂活动负责人会设计“银饰工艺工具箱”（含微型锻炉、錾刀套装、教学视频），供中小学开展非遗劳动课，通过“制作银书签”“设计生肖银饰”等简易项目，培养青少年兴趣。利用VR技术还原传统银饰工坊场景，学习者可虚拟操作“熔银—锻打—刻纹”全流程，系统自动纠错（如锤击力度、温度控制），降低实操门槛与材料损耗。杨光宾表示：“苗族银饰锻造是一门艰辛的技艺，我们希望能从小培养可塑之才，秉持守艺不守旧，破界不破根，将苗族银饰锻造技艺薪火相传。”
结束语：从磨砺技艺的纯粹少年，到坚守匠心的非遗大师，再成为致力于创新与传承的文化使者，杨光宾用千锤百炼的执着，铸造出银华熠熠的传奇。他的故事，是苗族银饰制作技艺传承发展的生动写照，是一个民族在淬火成金中永续的文脉精魂，也让我们看到了传统文化在新时代绽放的无限可能。
云锦，这一承载着千年历史与文化底蕴的瑰宝，以其独特的艺术魅力和精湛的织造技艺，成为中国传统织锦中的璀璨明珠。在现代化浪潮的冲击下，云锦技艺的传承与发展面临着诸多挑战与机遇。陈诚作为云锦非遗传承人，于时光长河中与云锦结下不解之缘，他以匠心守护古老技艺，在传承云锦的漫漫征途上砥砺前行。
南京云锦博物馆技术负责人。2009年开始从事云锦工作。对各类织机、云锦品种等均有专业的研究。对汉代到清代各朝代的织机机构及装造方法有一定研究。先后复原、创新了纱罗织机、芝麻纱织机、超宽云锦织机，并拥有相关的发明专利。在织造及工艺方面，主要擅长云锦妆花纱技艺、云锦金彩绒、雕花天鹅绒等特殊工艺，并能进行创新转化与创造运用，使人类非遗工艺成为现代工艺美术。
个人获奖
2015年被授予“中国优秀织锦工艺传承人”称号。
2018年被授予“南京市工艺美术大师”称号。
2020年被南京市命名为“南京市非物质文化遗产代表性传承人”称号。
2022年南京市莫愁中等专业学校特约非遗云锦讲师。
2022年南京市人大代表。
2024年纺织非遗新青年。
陈诚与云锦的缘分，始于家庭的熏陶。他的父母都是云锦织造匠人，在云锦的世界里默默耕耘了一辈子。2006年，南京云锦成为国家级非物质文化遗产，这一消息如同春风，吹进了陈诚的心田。毕业后，在父亲的建议下，怀揣着对家族手艺的深厚感情，陈诚于2009年加入南京云锦研究所，正式开启了云锦技艺的学习之旅。
然而，学艺之路并非一帆风顺。云锦学习是一个漫长且反复的过程，对体力有着极高的要求。在织机上拽花，一天下来腰酸背痛，需要连续半年以上一直练习。身体的不适应成为陈诚学艺过程中最大的困难。但他凭借着坚定的信念和对云锦的热爱，克服了身体上的疲惫，逐渐掌握了云锦织造的基本技巧。
云锦的独特性，犹如一幅绚丽多彩的画卷，在“通经断纬”等核心技术中展现得淋漓尽致。陈诚介绍说，云锦就像在面料上作画，其纹样从线开始，通过编织规律直接呈现出一体成型的效果，高级而特别。与其他锦类如蜀锦、宋锦不同，云锦专有的通经断纬手法目前仍需手工织造。这种手法不限制颜色的多少，根据织造的配色变化，颜色可达几十上百种，使得云锦在色彩的运用上更加丰富多样，具有极高的艺术价值。
在云锦的织造过程中，每一根丝线都像是画家的笔触，编织出精美绝伦的图案。无论是飞禽走兽、花卉植物，还是神话传说中的人物形象，都能在云锦上栩栩如生地展现出来。这种独特的织造技艺，不仅体现了古代工匠的智慧和创造力，也成为云锦区别于其他织锦的重要标志。
在现代化进程中，云锦技艺面临着诸多核心挑战。一方面，云锦需要实现市场化的转型，将好的工艺技术转化为符合大众需求的产品。这需要更多年轻人的加入，为云锦注入新的创意和活力。另一方面，云锦工序复杂，成本高、效率低，如何提高织造效率以满足市场需求，成了亟待攻克的难题。
为了应对这些挑战，陈诚和他的团队采取了一系列措施。他们将一些工艺不繁琐的品种制作成文创、日常摆件等小产品，让云锦走进寻常百姓家。这些小产品不仅具有实用价值，还蕴含着丰富的文化内涵，受到了消费者的喜爱。通过这种方式，云锦逐渐扩大了市场影响力，也为传统工艺的传承和发展提供了新的思路。
在保持云锦原真性的前提下，陈诚积极探索创新实践。云锦的材料通常采用桑蚕丝，搭配金线等珍贵材料，这使得云锦制品价格高昂且不耐磨，难以在市场上广泛推广。为了解决这一问题，陈诚尝试将现代材料再生纤维与桑蚕丝结合，运用到云锦马面裙的制作中。改良后的云锦马面裙不仅解决了成本问题，还解决了难打理、易起毛的困扰。2024年上市后，这款马面裙得到了广大消费者的认可，一款马面裙售出超400套，为云锦的创新发展开辟了新的道路。
云锦技艺的数字化保护是传承与发展的重要举措。云锦的纹样是其艺术价值的重要组成部分，需要采用数字化手段进行保护和记录。云锦工序中有大量的纹样图、意匠图，都是手工绘制而成的，具有极高的历史和文化价值。目前，陈诚所在的团队已经开始了数字化的记录工作，将云锦的纹样进行数字化存储，以便更好地传承和研究。
不过，云锦面料作为一种丝织物，其肌理感很难通过图像完全呈现。因此，在数字化保护方面，他们主要围绕纹样展开，而实物面料的肌理感仍需要通过技艺传承的方式来保护。这种技术介入与原真性的平衡，既保证了云锦技艺的核心价值得以传承，又为云锦的数字化发展提供了可能。
云锦原来主要服务于皇室，与普通百姓的生活距离较远。为了让云锦更好地融入现代生活，陈诚和他的团队根据年轻人的喜好和需求进行产品设计。他们与顾客沟通，了解他们的喜好，然后通过织造的方式将设计呈现出来。如今，云锦已经广泛应用于日常穿戴的围巾、披肩、手机包、胸针等产品中，与日常服饰进行搭配，受到了年轻人的喜爱。这些创新产品不仅保留了云锦的传统工艺和文化内涵，还赋予了它新的时尚气息，让云锦在现代社会中焕发出新的活力。
提升云锦现代适配性的关键在于解决价格高、面料厚重等问题。陈诚认为，一方面需要在工艺上进行优化，提高织造效率，降低成本；另一方面需要与新的材料结合，开发出更适合现代生活的云锦面料。例如，通过研发轻薄、耐磨的云锦面料，使其能够应用于更多种类的服饰中，满足现代人的穿着需求。
在陈诚学艺时，采用的是师父口传心授的方式，学艺周期长，需要花费大量时间琢磨、研究、练习。如今，云锦技艺已经通过整理汇编成云锦技艺手册，并与南京非物质文化专业学院共同编著了教材。在人才培养方面，他们采用了学院式教学和师父带徒弟相结合的方式，既保证了技艺传承的系统性，又发挥了传统师徒制的优势，为云锦技艺的传承培养了更多专业人才。
为了吸引更多年轻人加入云锦传承的行列，陈诚建议将云锦产品年轻化，让年轻人看到非遗产品的时尚魅力和购买价值。通过设计符合年轻人审美和需求的产品，如云锦元素的手机壳、饰品等，激发年轻人对云锦的兴趣和热爱。
云锦的学艺周期长，初期收入回报低，这在一定程度上影响了年轻人加入的积极性。陈诚希望政府能在人才培养上给予更多的资金和项目支持。同时，加强云锦文化的宣传推广，提高社会对云锦的认知度和认可度，为云锦技艺的传承和发展营造良好的社会环境。
结束语：在与陈诚的对话中，我们深刻感受到他对云锦技艺的热爱与执着。从家族传承到个人坚守，从传统技艺的守护到创新发展的探索，陈诚用自己的实际行动诠释着云锦非遗传承人的责任与担当。在现代化进程中，云锦技艺的传承与发展面临着诸多挑战，但也蕴含着无限机遇。通过创新实践、数字化保护、融入现代生活以及加强人才培养等措施，云锦这一千年瑰宝正焕发出新的生机与活力。相信在像陈诚这样的非遗传承人的努力下，云锦技艺必将在传统与现代的交织中，编织出更加锦绣的未来。
戏剧编剧、皮影戏非遗技艺青年传承人、风吟教育（社会企业）创始人、北京到处溜达文化品牌联合创始人。致力于非遗融合与跨文化教育，通过工作坊、社创行动、研学项目等方式推动青少年发展。
现担任四川省新文艺组织发展联合会非遗教育委员会秘书长，中国戏剧文学学会会员，北京民艺非遗研究院研究员，UNESCOGYC委员；曾入选THU Horizon计划、中国民协山花英才培育计划、川渝戏剧评论青年人才研修计划；主持研究课题在中国民间文艺家协会“民间文化（非遗）进校园”课题组成功立项。
“皮影戏是家乡的非遗之一。”作为非遗皮影戏青年传承人，梅雨霏在幼时便与皮影戏结缘。童年时他常随外婆到古戏台下，观摩在光影流转间翻飞的花枪表演，行云流水的招式令其沉醉其中。而无论是侠气纵横的武打场面，还是脍炙人口的民间传奇，皆能在三尺幕布间以皮影戏的形态鲜活呈现。正如“一口道尽千古事，双手舞动百万兵”所述，皮影戏以其浓缩时空的艺术魅力，成为梅雨霏艺术追求的启蒙之源。
童年记忆中的光影，循着时间长河向梅雨霏轻声呼唤。那是故乡的召唤，更是他内心深处萌动的皮影戏之梦。从查询历史资料到尝试戏剧创作，成年后的梅雨霏用自己的青春和热忱悉心浇灌着这份热爱。然而，把传承皮影戏作为人生的事业，这个看似兼顾爱好与生活的选择，实则却承受着家人的不解和学艺之路的困苦与艰辛。“传统工艺不是一朝一夕就能学成的，在技艺尚未精湛、难以做出好成果的时候，很容易萌生自我放弃的念头。”梅雨霏这样坦言道。
“但年轻人越是被质疑，就越要证明自己；越是遇到艰难险阻，就越要克服向前。”坚韧的信念化作萤火，照亮着梅雨霏多少个独自坚守的日子，初学时被刻刀划伤的手指，创作时逐字修改的台词……千磨万击还坚劲，任尔东西南北风。热爱终是穿透了时光的云翳，在梅雨霏身上绽放出传承者的荣光——这是艺术的馈赠，更是坚守者的勋章。
“皮影戏不仅是简单的光影艺术，它背后还蕴藏着历史民俗和人文密码。”始于西汉的皮影戏距今已有千年，历史演义戏、民间传说戏、武侠神话戏……千年风雨在影人的身形变换间被演绎，与古今观众同频共振。然而，传承并非一成不变。梅雨霏深知，一路跨越历史向新时代走来的皮影戏，自是需要与时代同呼吸、共进步。
“非遗是在持续发展中演变的中华优秀传统文化。”基于与时俱进、守正创新的发展理念，梅雨霏与团队在皮影戏的人物造型设计、剧场表演形式、剧目内容等方面进行了多种尝试与突破。在影人的造型方面，梅雨霏及团队参考动画的美术设计开发新形象；在皮影戏的演出形式方面，开设表演后的AI工作坊，引导观众参与体验影人的设计过程；在剧目编排方面，结合多元的非遗项目，打造“非遗+”小剧场的互动剧目演出……当古老的皮影戏技艺遇上朝气蓬勃的青年传承人，东方的光影传奇就此迸发出一抹新的色彩，跃然于丰富多元的现代文化生活中。
今天我们在讨论“传承与创新”这个话题时可以发现，青年群体与时代发展的关系已经密不可分，青年的价值取向已经开始影响整个行业发展的方向。在2025年央视春晚上，成都银花丝非遗传承人雁鸿将银花丝技艺与四川皮影雕刻技艺相结合，打造风筝皮影手链作为服装配饰，用千年技艺点亮春晚舞台。在探索与创新方面，梅雨霏与团队结合现代消费趋势与流行文化，设计研发皮影戏相关的文创产品。传统皮影色彩暗沉，影人形象偏戏曲化。面对市场，梅雨霏及团队突破皮影固有的形象特征，结合现代流行审美，设计出色彩明亮、动漫化、可爱化的影人形象；开发角色人物卡牌、非遗BOX等非遗文创产品。
“让非遗技艺走进大众视野。”不是一句简单的口号，而是众多非遗传承人始终坚定的理想与信念，更是梅雨霏和团队传承与发展皮影戏的笃行之路。
传承之路，道阻且长。梅雨霏及其团队在国家图书馆少年儿童馆做过非遗活动，也将非遗教育实践课堂带进清华大学、中国人民大学等高校，以此拓宽青少年对非遗的认知视野。面对商业浪潮带来的冲击，梅雨霏坦言道：“在非遗教育与商业利益的平衡方面，确实面临不少挑战。”在理念方面，有些企业更注重商业利益和市场回报，追求快速盈利和规模化生产，为降低成本，简化非遗制作工艺，使用劣质材料，这与梅雨霏及其团队所坚守的理念相悖，最终落地效果也不如人意。同时，存在企业对非遗元素过度开发或错误解读的风险。梅雨霏回忆道，曾有合作过的企业大肆宣传其创作的皮影戏剧目“原汁原味、原生态”。无论是皮影戏，还是其他非遗项目，都是过去人们生活的一部分，随时代的发展脚步不断演化。所谓的“原汁原味”一成不变之意本就是对非遗的错误解读。
生活是道多选题，没有标准答案。谈及当下非遗传承所面临的挑战与坚守，梅雨霏说：“非遗发展是历史、现实、社会价值取向等多重因素影响的结果，关于这些正在发生的变化，我们不会轻易总结或定义它的成败。为了实现非遗保护与商业利益的双赢，我们积极探寻合作之道，将现代化的设计理念、营销渠道和技术手段，与非遗产品开发和舞台美术设计相融合，以期实现用商业手段完成非遗传承社会使命的双赢局面。”
方寸幕布之内是非遗技艺的匠心演绎，幕布之外是商业浪潮的合作共谋。在人们看见与未见到的天地，以梅雨霏为代表的众多青年人，正沿着时光的漫漫长路，为非遗技艺创造新的文化普及方式，让传统文化不只在悠长岁月中绵延，更在新时代下持续绽放。
“文化在于传承，要在保护中传承，在传承中创新，在创新中表达。”谈及新时代的非遗传承与创新事业，梅雨霏如是说道。
在传承非遗的道路上，梅雨霏坚守非遗技艺的艺术形式内核，同时积极探索更加多元丰富的创作之道。他与团队将关键词互动、武术套路展示、民间小调哼唱等形式融入舞台表演，打造沉浸式戏剧体验，引导观众参与剧目共创，突破皮影戏传统表演的空间和视觉局限。让非遗不再是与大众日常生活相之较远的古老技艺，而是成为能够连接传统与现代的艺术共鸣。在2024年中国民协“山花英才”培育计划的结业仪式上，梅雨霏说：“非物质文化遗产是中华优秀传统文化的重要组成部分和文化瑰宝。作为年轻一代传承人，我们要坚持守正创新，在非遗发展历程上写下我们的新时代故事。扎根传统，以包容和开放的心态，不断探索和学习非遗发展的新技术、新理念和新潮流。以不竭奋斗，助力中华文化瑰宝焕发出新的光彩。”
跟随梅雨霏的脚步，我们看到了矢志不渝的非遗工匠，看到了皮影戏以其强劲有力的脉搏，在新时代以奔腾的姿态跳动着、延续着。相信在不久的将来，我们还会看到更多接续奋斗的非遗传承人，看到更多源远流长的中华非遗瑰宝在新时代迸发出璀璨鲜活的光芒。
在中华文化的璀璨星河中，南京云锦宛如一颗耀眼的明珠，承载着千年的历史与技艺。近年来，南京云锦博物馆在馆长简名伟的带领下，走出了一条独特的传承与发展之路，不仅实现了营业额的显著增长，更让这一古老的非遗技艺在现代社会中焕发出勃勃生机。近日，我们有幸采访到简名伟馆长，深入探寻南京云锦博物馆在运营管理、传承发展以及市场拓展等方面的成功秘诀。
2020年11月，台湾青年简名伟作为文化人才，被引进到南京，受聘成为南京云锦博物馆馆长。简名伟以市场化改革推动云锦技艺“破圈”，实现博物馆扭亏为盈并连续四年营收利润双增，让中华优秀传统文化“出海”“出圈”“出新”“出彩”，让千年非遗以“国潮”姿态走向世界。
2023年就任中国工艺美术学会织锦专业委员会主任，为首位台籍主任；“瑞丽轻奢品牌大赛”获选为“品牌先锋人物”。2024年中国纺织非物质文化遗产大会，获选为纺织行业非遗推广大使；获选为福布斯中国杰出匠人TOP10。
简名伟馆长上任第一年，便引入了华为从国外引入并加以创新的业务领导力模型（BLM），对宏观形势、工艺美术行业成功案例、同类竞品、顾客群体以及自身优劣势进行了全面且深入的分析。在此基础上，他确定了以“生活美学”为核心的发展战略，将产品精准划分为三个层次：针对精英收藏的高端艺术品，定价2万元以上，满足高端消费者对独特艺术珍品的追求；面向资深中产的生活艺术品，定价在3000元至2万元，契合其对于品质生活的追求；还有为新锐白领打造的生活装饰品，定价在3000元以下，让更多年轻人能够接触和喜爱云锦。这种清晰的产品定位，为南京云锦博物馆的发展指明了方向。
疫情期间，众多行业遭受重创，南京云锦博物馆却抓住机遇，积极布局互联网。所有的讲解员、导购员纷纷在抖音上开直播，人事文员负责后台中控，连保洁阿姨也来帮忙递产品。大家齐心协力，借助互联网的力量让云锦走出博物馆，走进千家万户。那一年，南京云锦博物馆告别了连年亏损的困境，打了个漂亮的翻身仗。简名伟馆长将博物馆的同仁们称作“我的大陆家人”，这种温暖的团队氛围也为博物馆的发展注入了强大的凝聚力。
“文化+产业”策略被认为是南京云锦博物馆成功的关键。简名伟馆长秉持着守正不守旧、尊古不复古的理念，让云锦逐渐走出生存困局。2024年博物馆的1亿元营收中，65%来自高端装饰艺术品，35%来自生活艺术品尤其是云锦围巾，5%来自文创商品，南京云锦保持了皇家技艺、世界非遗的高端定位。同时，60%的营收来自网络销售，紧跟网络化、数字化的时代步伐。更令人欣喜的是，工匠师傅们的月收入从4年前的不到3000元增长到如今的接近1.3万元，他们能够安心传承技艺，为云锦的未来发展奠定了坚实的人才基础。
云锦作为人类级非遗，传承面临技艺复杂、学习周期长等难题。为了吸引年轻人加入传承队伍，博物馆采取了一系列针对性措施。在博物馆二楼的工艺展示区，6位匠人师傅两人一组在织机上配合工作，刘同林和金俊梅夫妻搭档正在织造一件龙袍，马顺宝师傅和马笑然师徒俩正在织造蝴蝶胸针的锦料。云锦有销路、匠人有收入，越来越多的年轻人开始对云锦织造产生兴趣。此外，南京云锦博物馆在南京市的莫愁中专开设非遗传承班的云锦专班，并派传承人大师到现场教学，通过层层筛选，优选合适的小学徒进入博物馆实习，形成了有秩序、有体系的“产+学”传承体系。
在简名伟馆长看来，非遗传承人培养与产业发展之间应建立良性互动关系。传承人不仅要技艺精湛，更要真心喜欢云锦，有为云锦创造价值的愿望。他一直向游客强调“我们南京云锦博物馆的镇馆之宝就是我们的匠人，因为有他们云锦才能传下来，也因为有他们云锦才会一直传下去”。只有产业发展好，为传承人提供良好的待遇和发展空间，才能吸引更多年轻人投身云锦传承；而传承人的不断涌现和创新，又能为产业发展注入新的活力，推动云锦产业不断向前发展。
在科技飞速发展的当下，南京云锦博物馆积极运用数字化手段记录、展示云锦技艺。博物馆结合AR技术与3D建模，将珍贵藏品录入到含芯片的卡片上，当用手机“碰”一下，博物馆藏品就跟着你回家，就连4米高的大织机都能收进口袋里，还配有博物馆导览。这种创新的方式让博物馆的藏品走出橱窗，走进人们的生活当中，让更多人能够近距离感受云锦的魅力。
为了吸引更多年轻人投身云锦技艺的学习与传承，博物馆在产品设计上不断创新，贴近年轻人的喜好。与换装手游进行游戏人物服装的建模，设计出更符合年轻人生活喜好和风格的云锦产品。比如最近很火的“猫肥家润”，一只胖胖的橘猫捧着金元宝，既符合现在年轻人喜欢养宠物的生活方式，又迎合了年轻人想致富的希望，将云锦传统的文化基因“图必有意，意必吉祥”以现代的方式呈现出来。
为了让云锦非遗更好地融入现代生活，博物馆在产品创新设计上做了诸多尝试。云锦作为曾经织龙袍的面料，妆金敷彩的工艺富丽堂皇，非常适合作为服饰配饰。博物馆推出的云锦马甲等产品，很好地体现了云锦的现代使用价值，满足了现代人对中式风格的追求，甚至还上了央视的新闻联播，受到了广泛关注。
在非遗跨界融合成为趋势的背景下，博物馆积极与其他领域的品牌或IP进行合作。提出了“非遗+”的概念，认为非遗可以与无限多的领域结合。比如与高端洗衣机品牌进行联名特展，让大家了解到云锦已经走进人们的生活中。活动还吸引了央视主持人马凡舒来到博物馆与国家级传承人周双喜大师直播互动，进一步扩大了云锦的品牌影响力。
线上销售渠道对非遗产品推广至关重要。南京云锦博物馆在拓展线上市场方面采取了直接在博物馆里做直播的方式，直播团队都是博物馆的家人，他们能够更好地向消费者讲述云锦的文化内涵。然而，线上销售也面临着挑战，云锦有文化属性，不能只靠简单的促销话术。同时，网络销售带来的大量订单也对产能提出了更高的要求。博物馆通过优化生产流程、提高生产效率等方式，努力克服产能瓶颈，满足市场需求。
面对激烈的市场竞争，南京云锦博物馆突出云锦非遗的独特价值和文化内涵，与其他同类非遗产品形成差异化竞争优势。背靠深厚的中华优秀传统文化以及老祖宗流传下来的精湛技艺，持续守正创新，结合新原料、新设计来表达现代美好生活。与其他非遗一起，共同展现中华优秀传统文化，表达民族自信，用百花齐放的非遗产品，讲好文化复兴的中国梦。
结束语：简名伟馆长心中一直有一个“小目标”，那就是在香榭丽舍大街上开一家云锦店。去年在巴黎卢浮宫，云锦的艺术品摆件“金蟒招财”被法国第一夫人收藏，这充分证明了云锦的艺术魅力是世界级的。中国需要打造文化软实力，需要能被外国人熟知的文化品牌，而云锦无疑具有这样的潜力。未来，南京云锦博物馆将继续与国内外优秀的机构和企业开展合作，进一步拓展南京云锦的市场与影响力，让云锦这一中华优秀传统文化的瑰宝在世界舞台上绽放更加耀眼的光芒。
