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迄今为止发现的200多个原始洞穴中，最著名的是法国南部的拉斯科洞穴和西班牙北部的阿尔塔米拉洞穴。这里的画无疑侧重于运动——几乎所有的岩画都描绘了骄傲的动物奔腾、跳跃、反刍或与猎人搏斗至死。
古埃及绘画包含了人类生活中的一切。古埃及绘画的技法和形式必然带有时间的痕迹，即形式上的“正面律”和色彩运用上的简单而连续的形式。
古埃及绘画的风格在人物中最为明显，他们总能找到人物最具特色的角度。《三女乐师》就是这种艺术风格的典型代表。
古埃及艺术也有写实的杰作。在《家畜检查图》中可以看到一种非常逼真的表现手法。画面中的牛整齐规整，牛的动作自然，画面的造型准确生动，前后的透视关系也表现得很巧妙。
古罗马人的现实主义精神对艺术产生了巨大的影响。公元1世纪大师的《贝克夫妇》描绘了一个腼腆、真诚、天真的男人在思考，而画中的妻子则熟练、强壮、迷人、美丽，一只手若有所思地拿着笔抵在下巴上。
目前，对古罗马绘画的理解主要来自古罗马时期被火山灰吞没的庞贝古城。作品《赫蒂萨斯杀死米诺斯公牛》通过年龄、图像大小、颜色深浅和英勇姿势的差异，将赫梯人与获救儿童区分开来。
大量中世纪艺术家的优秀画作（包括马赛克画）在大教堂内外展出。中世纪艺术的一个重要组成部分也是插图和各种小画，且相当繁荣。
《查士丁尼大帝和他的会众》是早期拜占庭马赛克的杰作。该作品不仅是教堂不可分割的一部分，也是对查士丁尼大帝和西奥多拉王后的致敬，艺术成就可见一斑。
当基督教还在地下时，信徒们在墙壁和地下墓穴上方绘制了许多基于圣经内容的壁画。这些作品虽然技法幼稚，但画作本质上是理想主义的造型手法。
文艺复兴早期，受当时的科学发展的影响，许多大师们在绘画中借鉴解剖学和透视学的成果，这是他们现实地表现人和空间的科学依据。这帮助他们创造了新的现实主义艺术表现规律，使绘画从此焕然一新。
在文艺复兴绘画早期，代表人物之一是马萨乔。他在绘画中提出了一个很重要的课题，即表示这些绘画对象的真实感，以及体积和空间的关系。在他的绘画中，比较注重表现出人物的肌肉和面部情绪，而且比较注重描绘对象的造型，代表作品有《失乐园》。
波提切利的作品构图创新，风格优雅，注重写实，在人体构造和透视方面有很高的水准。他描绘了许多世俗画，其中《春天》和《维纳斯的诞生》取材于古代神话，更能体现他的个人风格，也反映了文艺复兴时期的古典文化特征。
达·芬奇的生活涵盖面很广，《最后的晚餐》和《蒙娜丽莎》是他最为出名的作品。他的作品善于探索描绘对象的内心世界，用技巧表达自己的感情，他的绘画技法对后代产生了深远的影响。
拉斐尔喜欢描绘圣母像，这些圣母像在他的不同时段的创作生涯中，则表现出不同的气质特征。拉斐尔的圣母像诞生于画家自身的审美理想，从现实中提炼出对妇女的不同概念，进行了综合分析。拉斐尔一生中最重要的作品以梵蒂冈教堂的四组壁画最为人所知。
威尼斯画派的作品充满了人类的欢乐、自然的色彩和生机勃勃的生命力，充满了奇妙的色彩和诗情画意，但缺乏古罗马的宗教气息。
乔尔乔是贝利尼的学生，也是威尼斯画派的代表人物之一，他创造了威尼斯画派的黄金时代。他的代表作《沉睡的维纳斯》中，白皙、漂亮、性感的美女优雅赤裸地躺在自然景观中，给人一种纯洁和高贵的感觉。
在提香的《乌皮诺的维纳斯》中有不少乔尔乔的绘画风格。提香在后来的创作中喜欢运用自由柔和的色彩，如作品《抹大拉的玛利亚》就有体现。
委罗内塞是提香的学生，他的绘画受到达·芬奇、米开朗琪罗等一些大师的影响，创造了具有装饰意义的美丽写实风格，在当时很受人们的欢迎，如作品《威尼斯的凯旋》中有所体现。
到了16世纪末，意大利艺术家早已远离现实，走上了病态和夸张的表达道路，以回应崛起的宗教力量和贵族的审美需求。这一时期的作品很少有正面的东西，这种古怪的做作风格被贴上了“矫饰主义”的标签。
意大利文艺复兴的辉煌一时消逝，风格主义画风迅速成为欧洲各国众多贵族画家模仿的对象。然而，意大利文艺复兴的人文思想并没有就此止步，它为下一个艺术高峰的到来做好了充分的准备。
（1）尼德兰的文艺复兴
凡·艾克兄弟是尼德兰文艺复兴的创始人，他们为根特圣巴沃尔教堂设计的《根特祭坛画》是尼德兰艺术的一个转折点和里程碑。
凡·艾克兄弟对油画颜料的创新，给油画创作带来了重大变化。改进后的油漆可以逐层覆盖，多次修改，色彩丰富鲜艳，涂装过程不必像湿涂法那样小心翼翼。这不仅为小幅架上绘画的发展提供了技术支持，也让画家能够更加娴熟地描绘细节。《一对年轻夫妇的肖像》是这类作品的代表作。
（2）德国的文艺复兴
在德国文艺复兴时期，当时最著名的油画家、版画家、雕塑家和建筑师是丢勒，他对德国艺术的发展起到了启蒙和开创性的作用。他的作品坚定、写实，富有人文精神。丢勒擅长画肖像，大多数是自画像。他的自画像展现了一位威严而端庄的艺术家形象。透过画窗，田野、远山、蓝天、白云等，使画面更加生动。
荷尔拜因的成就不在于用他的画作来反映社会观念，而在于他对肖像艺术的探索。荷尔拜因的代表作有《伊拉斯谟肖像》《托马斯·摩尔肖像》《画家妻儿肖像》等，画面对比强烈而突出，一目了然。这些都充分体现了艺术家的艺术才华。
受科技和新哲学观念的影响，巴洛克艺术更注重利用光来强调强烈的视觉效果。这种技术强调现实主义，对于更广泛的观众来说是可以接受的。巴洛克艺术不仅反映了上层阶级生活，也描绘了中下层的生活，甚至关于宗教的画作也变得更加通俗易懂。
描绘人物的心理在巴洛克艺术中也很重要。文艺复兴时期的艺术作品主要使用的是故事描绘法或符号法，强调外观的对称与和谐，而在巴洛克时期的肖像作品中，艺术家着重强调对肖像人物的个性和心理状况的描述，从而使描画出来的作品更加精神化。同时，这也能让描绘的人物更有活力、更有生命力。
意大利的绘画代表人物主要有卡拉瓦乔、卡拉契兄弟等人。
卡拉瓦乔主张艺术要深入自然，于是他走上了以风俗画和静物画为主的艺术道路。在《在以马杵斯吃晚餐》《年轻的酒神》等作品中，强烈的明暗对比被用来强调人物的特点，使整个画面笼罩在一种深沉、平静和神秘的气氛中。
卡拉奇兄弟注重写生基本功，虚心学习古典和文艺复兴时期大师的作品，取长补短，使他们的画风优雅，技法完美，极大地影响了后来古典主义艺术的发展。在卡拉奇创作的《逃离埃及》这幅画中，风景不再从属于人物。小溪和树木散落在画面中，画面中间是一座经典的城堡，散发着一种精神记忆。描绘光线和情绪的微妙变化，探索了风景画的表现潜力，并将其从风俗画打破为富有表现力和戏剧性的独立流派。
荷兰画派的大部分作品都是针对资产阶级的，这是因为资产阶级出于经济原因很少购买较为大型的绘画作品，因此肖像画、风俗画、静物画和室内装饰画等小型架上绘画成为资产阶级消费的主流，荷兰画派也被称为“小荷兰画派”。
哈尔斯的《吉普赛女郎》笔触轻盈轻松，造型坚实稳固。该作品想象力十分丰富，且配合成熟的色彩语言，将作品描绘得非常清晰自然。哈尔斯不仅擅长用对比色营造丰富层次，还延伸了人像的表现内容，创作出多幅群像，如《圣乔治射手军官的宴会》等。
伦勃朗因《杜普教授的解剖课》而闻名。1642年，伦勃朗因得罪了一位赞助人，被许多赞助人攻击。此后，再也没有画商敢向他订购画作。伦勃朗后期的风格，越来越少了巴洛克式的宏大场面和刺激的艺术效果，更多的是对人物内心的刻画，对现实的理解使他的艺术更深入、更简单、更严肃。
维米尔生活在17世纪下半叶，是“荷兰小画派”最重要的画家之一。他的作品细腻严谨，色彩和谐，以刻画家庭主妇的内心生活场景为主，代表作有《弹钢琴的少女》和《倒牛奶的女仆》。
佛兰德斯画派受巴洛克的影响，这是因为他们的作品主要是为了赢得王公贵族的喜欢，而王公贵族喜好的装饰风格正是以巴洛克风格为主。
鲁本斯系统地学习和掌握了前人的优秀传统和绘画技法，同时又将自己的民族艺术传统融入其中，创造了一个既具有米开朗琪罗风格又属于威尼斯学派的具有戏剧性和装饰性的新巴洛克风格。《劫夺吕西普斯的女儿们》《美第奇抵达马赛》《基督下十字架》等都是他的代表作。
凡·代克是鲁本斯的学生，他潜心研究鲁本斯的风格和技巧，很快就达到了写实的水平。凡·代克的画作多为皇室肖像，对英国肖像画的发展影响很大，代表作品有《查理一世狩猎》《马上的查理一世》《查理一世的子女们》等；也有神话作品和宗教绘画，但影响力不如肖像画。
委拉斯开兹是西班牙宫廷的平民画家，他的绘画艺术重点是专注于下层阶级的苦难人民。委拉斯开兹画了许多风俗画和肖像画，如《塞维利亚卖水的老人》《早餐》《煎鸡蛋的女人》。这些画对下层社会焦虑心理状态的有力刻画，彰显了画家高超的写实功底和敏锐的眼光。随后他两次前往意大利，开阔了视野，加强了技艺，迅速成为欧洲最著名的大师之一。委拉斯开兹的代表作有《教皇英诺森十世》《火神锻铁厂》《勃列达的投降》《纺织女工们》以及一些风俗画、风景画和肖像画。
里贝拉出生于西班牙，后移民到意大利，他的作品摆脱了宗教的悲壮氛围，充满了世俗生活的兴奋和活力。由于关心下层阶级，他的作品常常引起权贵的厌恶，于是毅然辞去宫廷画家的职务，隐居在那不勒斯郊区。他的作品包括《跛足的孩子》和《牧人来拜》等。
牟利罗的作品题材广泛，他的画作大多是对中下阶层生活的真实反映。以现实生活作为表达宗教主题的典范，是他艺术创作的主要内容。牟利罗比较强调绘画的造型基础，主张绘画讲究自然，并且建议向大师学习，但并不是说模仿大师的形式。他除了擅长画宗教和风俗画，还画自然风景。
普桑代表了法国古朴的古典艺术，他对古希腊罗马艺术的崇敬和研究催生了他的古典艺术原则。他的作品是理性主义的，虽然当时巴洛克艺术还一直在盛行，但他的作品中并没有遵循巴洛克艺术的那种宏伟表现手法。
普桑的作品主要取材于神话、历史和宗教故事。《台阶上的圣母》是基于对古典主义理想构图的思考。画家对圣母、圣婴、圣安妮、施洗约翰等人物进行了理想的安排，使画面具有喜庆的视觉效果。对人物动态、表情和明暗对比的处理加深了这种平衡和稳定感。
拉图尔擅长宗教题材，常在夜晚烛光下描绘人物，被称为“夜间画”。这种夜灯给人一种神秘的感觉，在当时的教会中很受欢迎。拉图尔的《忏悔的抹大拉》《油灯前的抹大拉》比较出名。他的作品非常专注，大面积的暗色调掩盖了许多细节，弱光加强了人物的艺术效果，这是拉图尔艺术的主要特点。
18世纪的欧洲动荡不安，许多小国开始独立，逐步走向改革复兴的道路。
在法国绘画方面，华托早期喜欢画平民艺术。他以画作《发舟西苔岛》而闻名，并被法国艺术学院录取。他以电影《发舟西苔岛》中迷人的人物、神秘的气氛和浪漫的色调被称为“风流画家”
。《爱之歌》《喜剧演员》等作品虽然还具有洛可可风格的一些特征，但与洛可可式的感性的、复杂的、奢华的风格还是很不一样的。《不同性格的人》是瓦托生前收集的不同人物的写照，人物造型精准流畅，表情活泼优雅。
布歇的作品线条淡雅，形式优美，以巧思、琐碎、贫穷、空虚为主题，迎合了权贵们的喜好。代表作有《躺在沙发上的裸女》《蓬巴杜夫人》等。
弗拉戈纳尔的艺术表现、题材和人物描写更胜一筹。作品有《洗衣妇》《秋千》《偷吻》等。
夏尔丹的绘画虽然多为静物画和风俗画，却没有装饰性和金银宝石饰品等出现，主要倾向于表现出一种自然的朴素感，这与洛可可艺术有着明显的对比。他的大部分作品都以下层人们的普通生活和朴素的形象为特色，绘图中体现的环境和构图形象虽然比较简单，却表达出了深厚的情感。例如《午餐前的祈祷》和《购物归来的女佣》，展现了具有谦逊、善良、勤奋等美德的社会阶层。
刚兴起的英国绘画在这一时期比较注重视觉上贴近真实的效果表现，造型概念也不再僵化，这种特征成就了许多表现日常生活的肖像画、风俗画、风景画大师。
威廉·荷加斯的作品具有一定的道德性和讽刺性，他的风俗画大多取材于新兴贵族的现实生活，在肖像画和图形学领域也非常成功。在他的《乞丐的歌剧中的一幕》这部作品中，许多肖像被汇集到一起，这种戏剧性的对话场景被称为“会谈天画”。
虽然荷加斯的风俗画通常是对上层阶级的无情攻击，但他的第三幅肖像画始于对工人阶级的颂歌。他的《卖虾女郎》堪比哈尔斯的《吉普赛女郎》，这也是他画荷兰风俗画的理论基础，而他的笔触无疑更加洒脱，生动地表达了卖虾姑娘的乐观、自豪和积极态度。
雷诺兹的绘画作品不仅有拉斐尔的那种母爱体现，而且还善于运用提香的搭配色彩表现。然而，他所带来的意大利艺术和理论却在不知情的英国圈内引起了轰动，也引起了很多关注。
庚斯博罗早年学过金银器手工艺术，因当时正处在文艺复兴时期，所以他的肖像画带有洛可可风格。他画了许多国王和政要的肖像，但风景画是他的最爱。以奇幻的氛围描绘田园风光中的贵族男女，是他的创举，这也使他的作品成就了诗意。安德鲁斯的人像构图比较前卫，人物通常安排在偏离画面中心的位置，周围环绕着麦田、古树和变幻的天空，给人一种唯美的氛围和意境。庚斯博罗的肖像具有浪漫的气氛，在他的作品中，人物往往被拉长，反映了女性的美丽和男性的身高，代表作品有《悉登斯夫人肖像》。
英国的风景画是当时欧洲的最高成就。18世纪末，水彩画逐渐流行起来。19世纪，英国出现了大量水彩画家。水彩画具有通透、流畅、生动的特点，对法国和其他一些欧洲国家的艺术发展做出了巨大贡献。
18世纪下半叶，西班牙资产阶级中出现了一批先进的思想分子，其中在绘画方面最有名的则属于戈雅，他是浪漫主义和现实主义结合的巨匠，他的出现给西班牙的绘画艺术带来进一步的发展。他是继委拉斯开兹之后，开创了西班牙绘画另一个高峰的大师。
弗朗西斯科·戈雅早期作品轻快欢快，中期多用隐喻，画面夸张怪诞，后期作品画面简洁明快。在他早期飞往意大利期间，开始呈现个人主义风格，如作品《汉尼拔登临阿尔卑斯山》。回国后娶了画家巴耶的妹妹，在巴耶的介绍下，为皇室设计了几十幅挂毯草图，这些写实的草图取得了巨大的成功。而《查理四世全家像》则体现了戈雅相机般的写实技巧，客观真实地展现了王室的面貌。因此，国王授予他“西班牙第一画家”的称号。
18世纪末，法国人掀起了一场伟大的革命风暴，在这一运动的背景下，新古典主义艺术创作诞生。新古典主义艺术在革命初期带来了高昂的斗志，随后随着即将到来的革命退潮而跌入谷底。反对古典主义的艺术阵营——浪漫主义由来已久，其艺术主张在19世纪的法国更为重要。写实艺术是这个时期最重要的东西，它不仅属于那个时代，也属于人类历史的不同时期。19世纪后期印象派也在这一时期迅速发展，成为影响或主导20世纪艺术方向的主要流派。
新古典主义以庄严肃穆的语气赞扬古代英雄的美德，出于革命的需要它起到了教育的作用，借用过去来描述现在。因为它不同于其他古典主义，所以被称为“革命古典主义”。画家达维特积极参加革命，创作了大量作品来反映当时的生活和革命气氛，充分体现了这一新古典主义艺术原则。
18世纪90年代初，达维特提出了一系列“艺术为政治服务”的相关理论，他的艺术产出开始摆脱早期的僵化局面，真正进入革命现实主义。他不仅创作了《球厅宣誓》《马拉之死》《巴拉之死》等伟大而激动人心的作品，还创作了一些在宣传中发挥了一定作用的革命者和烈士的肖像。这些作品立足于革命现实，不仅唤起了人们对先烈的怀念，加深了人们对敌人的仇恨，也表达了艺术家对革命同志的崇敬之情。
安格尔是达维特的学生，他的作品缺乏新古典主义的革命活力和高昂的斗志，安格尔的作品是肖像画的巅峰，体现了他理想美的写实品质。比如《利维尔夫人》《音乐家柏格尼尼像》等作品中，人物的刻画准确而庄重。
浪漫主义是对个人感情、品味和才能的无拘无束表达的辩护，指没有形式和规律的约束。新古典主义也追寻平等、自由的个性解放，虽然具有浪漫主义的一些倾向，但是在绘画规则上还是受古典主义的束缚。因此，19世纪的浪漫主义主要是指古典学院派在艺术形式上的对立。浪漫主义作为一种文学现象普遍流行于几个艺术领域。在法国，浪漫主义艺术的代表人物是籍里柯和德拉克洛瓦等人。
籍里柯被认为是浪漫主义的先驱。他的杰作之一是《梅杜萨之筏》，题材是基于现实的悲剧，画面被乌云笼罩，咆哮的海浪可能会带走木筏上的幸存者。生活及其造成的极度恐惧和紧张与古典主义的分量相去甚远。籍里柯创作了具有英国特色的水彩画和石版画，回国后还创作了《奴隶市场》《希腊起义的一个场面》等画作。
德拉克洛瓦的《但丁之舟》是一幅带有浪漫色彩的大型油画。该作品取材于但丁《神曲》中的鬼魂和激动人心的场景。天很黑，海浪很汹涌，河中的亡灵争先恐后地爬上船，气氛极为紧张。1832年，德拉克洛瓦前往北非的摩洛哥和阿尔及利亚，被东方优雅的气息和绚丽的色彩所感动，他开始表达历史题材、异域风情和神话故事，代表作品有《阿尔及利亚妇女》《十字军进入君士坦丁堡》等。
19世纪30年代左右的法国现实主义在绘画中并没有用间接的隐喻和较多的幻想来描述作品，而是直奔现实，以当时的现实生活和自然景观为绘画对象。现实主义塑造了时代潮流，作品在画质表现上比以往更加清晰，内容上的批判性也更加生动。
柯罗从小就喜欢游历名山大川。他多次在意大利、荷兰、英国和其他地方旅行，深受古典画风的影响，同时也体现出来自水城威尼斯的一种浪漫情调。他经常往返于枫丹白露的森林，并与巴比松的画家们在一起探讨。他与巴比松画家在描绘和观察自然方面有着相同的原则。由于柯罗的丰富经验，巴比松画家将他视为思想指导和技术权威。
米勒创作了大量以巴比松农民为主题的知名作品，如《播种者》《拾穗者》《晚钟》《樵夫》和《牧羊女》等。他作品中的人物，在表达农民的创造方面，往往带有穷困潦倒的性质，无法让人看到农民解放的真正未来和方向。在揭露社会不平等方面，他也不如杜米埃。
杜米埃的创作作品比较多，而每个时代作品都有对社会现实残酷的讽刺，如作品《高康大》《立法肚子》《出版自由》等就有体现。此外，他不仅擅长油画与雕塑，还喜欢画素描与雕塑。他的《三等车》是一幅描绘风俗的油画，从中可以看到社会底层人民的艰辛和贫困。
印象派画家面对社会现实，采取逃避现实的态度。他们认为色彩和千变万化的自然才是表现的主流，因此印象派也被称为“写实印象派”。
马奈的代表作《草坪上的午餐》中的裸体女人不具备那种高贵优雅的气质，有悖于传统。对马奈来说他想要表达的更多的是人体、色彩对比、外光下的感觉，其余的背景都不重要。
莫奈在最初推出了《日出·印象》画作时引起了人们的关注和嘲讽，于是他们将其简称为“印象派”，莫奈成了印象派的领军人物。莫奈的绘画并不注重表现描绘对象的本身，而更注重的是描绘对象在不同光影角度中的不同呈现效果。《卢昂大教堂》系列是他早年孜孜不倦探索外在光的结果，晚年创作的巨幅油画《睡莲》则是对他一生对光与色表现的总结。
在德加的画作中，最常表达舞台上和舞台下芭蕾舞者的生活。《舞台上的舞女》《慰衣女》《苦酒》《戴手套的女歌手》等作品，虽然描绘了现实社会中的一些真实场景，但这并不影响光影和色彩的变化，是一种印象派表现倾向。
雷诺阿的作品以人物为主，且最爱表现女性，画面中充满了美妙的色彩。他的女性裸体画丰满、温暖、迷人，生动地反映了女性白皙有弹性的皮肤和人体所迸发出的青春荷尔蒙，历史上很少有画家能把女性画画到如此高的水平。代表作品有《包厢》《阳光下的裸女》《梳理头发的浴女》等。
修拉、西涅克等人更深入地探讨了光与色的关系，将印象派的那种感觉表现得十分恰当。他们对光和颜色进行科学的分析，运用初色和互补色原理来调整画面上的主要颜色，并且呈现出来的效果像中世纪的马赛克壁画一样，所以又被称为点画法。在修拉27岁那年，他参加了印象派画展，其作品《大碗岛的星期天下午》最受欢迎。虽然该画在表现手法上感觉比较呆滞，但这种表现手法体现出艺术品位的独创性，也开辟了绘画新境界，后面又创作了《浴场》《马戏团》《喧嚣》和《女人的身体》等作品。
西涅克与修拉还一起讨论了点画的技术和理论，使用大笔触进行绘画，并以更生动的灵活色点变化而闻名。西涅克的代表作品包括《托勒港的启航》《餐室》《船》等。
印象派后期，塞尚、梵·高、高更等个性强烈的画家又开始轰炸传统艺术观念。他们用移动的笔触和爆炸性的色彩来表达一个主观的世界。
塞尚发展了一种对物体细节进行几何分析和概括的科学方法，虽然没有将物体转化为平面几何形状，但开辟了立体主义的思想。塞尚的代表作是《父亲的肖像》和《圣维克多山》。
高更的作品流露出了象征和寓言等特征，有原始宗教的气息，而且是黑暗的。他的作品简单而充满原始野性，包括《塔西提岛上的少女》和《幽灵》。
劳特雷克在绘画形式和题材上受到梵·高、高更、德加等人的影响，巴黎著名的“红磨坊”音乐厅是他大部分作品的灵感来源。在《红磨坊的舞会》《泉旁的年轻妇女》《磨坊街》《女丑角柯尤莎》等作品中，我们可以看到劳特雷克独特的艺术个性。
象征主义有别于古板死板的学术主题。它不像印象派那样拥抱阳光和彩虹，不走与社会息息相关的写实主义道路，取而代之的是，它用心灵的想象，创造出一种暗示性和象征性的神奇形象，追求一种美丽而笨重的装饰风格。
莫罗的画作精致华丽，装饰性很强，对希腊罗马神话和圣经主题的诠释富有个性，使评论家将他归类为象征主义画家。
夏凡纳出生于法国里昂，擅长创作具有象征意义的装饰壁画。他的作品大多取材于圣经和民间故事，并且使用象征手法来表达抽象主题。例如他的油画《少女与死神》和《希望》中的人物优雅、活泼，笼罩在一种神秘的气氛中，体现了他对社会和精神领域的探索。
雷东是19世纪法国著名的象征主义画家，他用花瓶、花卉画的静物画最多。《花中的奥菲莉亚》和《武士花瓶》等作品将现实生活和梦境中的物件并置，让观者自由地体验作品的暗示性。
“现代主义”一词是指一种新的、非传统的艺术创作思潮和艺术实践，它有别于过去，是一种比单一艺术流派更具有广泛性的艺术创作形式。“现代主义”出现了多元化的艺术流派，如野兽派、立体主义、未来主义、达达主义、超现实主义、抽象艺术、波普艺术、观念艺术等，统称为现代派。限于篇幅，这里不再一一展开讨论，下面仅选几种作简要说明。
野兽派的代表人物是马蒂斯，他的作品有明确的轮廓和线条，在艺术的简单和平衡中寻求和谐。例如他的《土耳其宫女》，线条流畅，笔触简单，人物适度夸张，色彩优雅和谐。他的《红色的和谐》用大红色和橙色、蓝色、棕色和黑色等强烈对比色，形成了一个美妙的和谐世界。
立体主义的代表人物是毕加索，代表作品如《亚威农少女》。这与传统的造型规则不同：不是在二维平面上建造三维空间，而是利用原始几何模型重建三维空间。毕加索的作品夸张奇异，给人一种神秘感。典型作品有《猫与鸟》《小公鸡》。
未来主义的代表人物有诗人马里内蒂，画家波菊尼、巴拉等。1916年，波菊尼被谋杀，未来主义结束，他们中的许多人开始了新的艺术之旅。
杜尚是达达主义的代表人物，其作品《下楼的女性裸体》既有立体主义的特征又有未来主义的活力，也有达达主义的破坏性和随意性。
达利是超现实主义的领袖，也是最长寿的现代主义画家之一。性格孤僻，行为怪异，在画坛被称为“极客”。看完他的作品后，人们常常感到困惑，这实际上表达了达利对弗洛伊德心理意识的迷恋。
1910年后，康定斯基和蒙德里安共同捍卫抽象艺术。他们长期以来拒绝具象的绘画形式，提倡非具象的、纯粹抽象的创作形式。康定的作品是一种内在情感的外在表现，也就是说，通过抽象绘画来表达情感。蒙德里安是荷兰风格派的代表人物，也被称为新塑性主义。他喜欢用抽象的绘画元素或者是几何图案来表达绘画情感。蒙德里安的抽象艺术和可塑理论影响了整个西方的现代艺术。