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李翔： 在2016年你们开始做的时候，潮玩这个行业还没有很多人知道，甚至2020年上市之后，大家才发现有这个行业的存在。在你们开始做之前，国内有这个行业吗？
王宁： 我认为，这个行业在我们做之前就已经有20多年的历史了。比如我们自己的核心IP MOLLY，我们2016年签MOLLY的时候，它都有快10年的历史了。我们是2010年成立的，2010年之前就已经有MOLLY的公仔。
所以就这个行业而言，你可以理解为这个行业刚刚出现，也可以理解为这个行业一直存在。如果我们泛泛来讲，你说三星堆出土的文物是不是潮玩？国人喜欢的貔貅是不是潮玩？如果把潮玩定义为审美类的、精神类的消费产品，其实这种形态是一直存在的，只不过每个时期都在变。可能三星堆时期是青铜器，有它特有的创作理念和表达形式。到了文艺复兴时期，就是大理石雕塑，换了一种材质和表达方式。绘画也一样，以前在墙壁上画，后来在布上画、在教堂的玻璃上画，材料和载体一直都在变化。
这一类是很纯粹的艺术，其实也是无用的。我觉得纯粹艺术在近现代慢慢变弱了，虽然学习艺术的人在增加，对艺术的普及和认知一定比过去好，但纯粹艺术的表达在减少、在变弱。这是由于艺术教育的普及，大家开始把艺术和设计融入现实生活的每个角落，我们的房子更漂亮、桌子更好看、衣服更有设计感。现在的年轻人可能很少会买一件纯粹的艺术品，比如一幅画或者一座雕塑。艺术家也很难靠纯粹的艺术生活，不得不把自己的画印到丝巾或者盘子上，让这些丝巾和盘子变成更受欢迎的产品。
我觉得很多行业都是这样。早些年音乐也是很纯粹的，消费者买的就是音乐本身，大家为音乐付费，但是现在单纯为音乐付费的场景在慢慢减少。音乐变成环境里的一个元素，比如酒吧或者咖啡厅里会播放音乐，它从主角变成配角，很多时候不能够独立存在。
实际上，一直有一些很纯粹的、小众的艺术家，他们还是想要做一些纯粹的艺术，因为艺术是一种表达，是艺术家对生活的表达。
那要怎么表达才能被更多人看到？我觉得就是要跟商业做结合，所以潮玩这个行业在香港变得很活跃，或者说一定程度上在香港诞生了这个行业。在香港这样一个很商业化的城市，很多艺术家就想，自己也得生活，作品得卖钱，他们就把雕塑的逻辑放到了版画上，产生了早期的潮玩。
为什么是在香港？我认为很重要的一个原因是，香港在20世纪八九十年代，经济和文化都处在一个非常繁荣的时期。你想想，那时候我们看的香港电影、听的香港音乐，都非常受欢迎。经济基础决定上层建筑，那个阶段是它的文艺复兴时期，自然诞生了很多商业和文化结合的形态，音乐也好，电影也好，也包括潮玩。
李翔： 把画做成了实物。
王宁： 对，但是对于实物，做个1∶1比例的雕塑销售，肯定不行。那是不是可以把它做小一点，少做一点，比如做50个、100个试试？刚好香港又挨着深圳和东莞，这两个城市有足够成熟的、愿意帮艺术家做小批量生产的玩具工厂。
而且20世纪八九十年代，东莞和深圳已经是全世界最大的玩具生产基地。最早一批去东莞开工厂的，其实多数都是香港人。所以艺术家对材质、工艺比较熟悉，也有很多小的工厂愿意帮他们生产。早期他们用搪胶
制作，做出来很立体，颜色很丰富，线条很完美，又可以小批量做。而且，开模也很便宜，开个铜模只要一万多块钱，就可以完美地帮他们去做这种艺术的表达和小规模的商业化，于是这个行业就诞生了。
用铜质模具做一些搪胶类的作品，一开始就卖50~100个，慢慢到几百、几千个。香港的展览和展会很多，艺术家每次去参加这种艺术博览会和画展，就会卖一卖这些潮流玩具，慢慢成为自己的收入来源之一，也形成公众对自己作品的认知，之后就成为IP。就像绘画一样，绘画其实也是慢慢形成了自己的IP，梵高的画法、莫奈的画法、毕加索的画法都不一样，因为艺术就是追求独特，在追求独特性的过程中，这些IP就诞生了。
再到后面，也可能受到像奈良美智
这样的艺术家的影响，开始有人物类的IP进入玩具行业。同时也逐渐诞生出一些优秀的艺术家，这个行业开始有了演变，但当时还是非常小众。
李翔： 相当于说商业化的规模很小。
王宁： 很小。我觉得其实在一定程度上，是我们误打误撞把这个行业给点燃了，我们把它彻底商业化了。