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这次在今日美术馆举办的“无尽之旋IV”展览，是艺术家简明（James Jean）这一系列作品的收官之作，汇集了他过去几年的重要创作。从超大幅画作到版画回顾展，展览全面展示了艺术家在不同维度上的艺术探索之旅。简明的作品总是充满了神秘与梦幻，他将传统技法与现代元素巧妙融合，创造出一个个令人惊叹的视觉奇观。站在这些作品前，观众仿佛被带入了一个无尽旋转的艺术世界，感受到简明无穷无尽的创作激情和灵感。
在艺术界，简明被认定为“视觉鬼才”，他曾是DC漫画御用封面插画师，连续7年斩获有漫画界奥斯卡之称的艾斯纳奖，也曾为《瞬息全宇宙》《水形物语》《鲸》等多部奥斯卡电影制作海报，而他与普拉达、ESPN和Atlantic Records的合作亦颇具盛名。
在“无尽之旋IV”开幕现场，置身于简明的艺术宇宙中，来自不同特定文化背景的元素在其笔下相互融合，被塑造成一幅幅普世共享的历史景观。早年间，简明在不同的文化环境中努力地找寻自己的身份，并渐渐走向一个仿佛在不同世界间漂浮的分裂的自我。男孩在巨型花瓣和天空中坠落、漂浮，也暗示着简明本人“文化游子”的身份。
“无尽之旋IV”展览主视觉《奇美拉》。
艺术家简明站在巨幅画作前，作品周围都是前来观展的拥趸和喜爱他的人们，简明略带几分腼腆，言语温文尔雅，分享着看展见解。“参观展览时，你可以走近作品，看到更多作品里的细节，但也要记得退后一步，在远距离观察。从不同角度、不同距离观看，你不仅可以直观理解、感受这些作品，也能进行更加细致的观察。我希望观众能在反复观看的过程中，发现更多隐藏的宝藏，获得更多的灵感。”
展厅内的一系列绘画、雕塑、动画、速写本、手稿、色彩研究便是这条旋转之路两侧的风景。展览不仅还原了简明二十余载的艺术历程，也剖析了其独特的风格技法和画面叙事。正如策展人所言，“千年神话与当代生活的并置，古典式优雅与卡通式涂鸦的对话，传统绘画与智能算法影像的融合，这便是属于艺术家简明的独特艺术图景。”
《衍生IV》，布面丙烯，122×91cm，2020。
A=简明
能否分享一下你在创作“无尽之旋IV”展览主视觉“奇美拉”这个角色时的思考过程？
A：为了庆祝这次展览，我创作了一件名为《奇美拉》的新作品，是一种由不同动物组成的神话生物。这个词还意味着一种遥不可及的愿望或欲望，一种幻觉。而在生物学中，它指的是由完全不同基因的细胞混合而成的生物体。作为不同材料的组合，“奇美拉”象征着东方与西方、现实与梦想、高雅与低俗文化等对立面的共存。这件作品的意象灵感来源于最近对福建泉州开元寺的一次访问。寺内有一座建于1795年、装饰精美的墙壁，被称为麒麟壁。壁上有一个神话人物，有时也被称为中国独角兽，它有龙的头、鱼的鳞、牛的蹄和狮子的尾。这个构图是由一块块塑形的陶瓷拼凑而成，比例奇特，这也是构图的灵感来源。寺院里还有很多榕树，树根交织在一起又延长许多生长至地面之上。《奇美拉》中的榕树根在寻找，但却无法在任何土地上找到寄托，也无法依附于任何历史。男孩是各种元素的拼凑组合，是不同文化的拼贴。他伸出手，试图寻找意义。
可以介绍下这次展览中最近创作的新作品，展出的哪几幅作品是你个人比较有倾向的，以及出现在你作品中的意象及文化象征？
A：对我来说，《向日葵》这件作品，它扩展了我艺术创作的角色体系。在印第安族系阿兹特克人所创造的阿兹特克神话中，Xōchipilli是一位滋养花朵，爱情和美丽的神灵，Xōchipilli与作为生育和快乐象征的向日葵相互联系，在蓝色单色调色板中变得更加意味深长，它暗示了向日葵的讽刺意味——传统上，向日葵与明亮和温暖相关联，但此处却被描绘成一种唤起冷静和内省的颜色。
《向日葵》，布面丙烯，122×91cm，2023。
《弹弓》，镜面不锈钢，24K金箔，300×210×210cm，2022。
在古希腊，蓝色象征天堂和神圣。希腊蓝是一个由石灰石、铜和沙子制成的亮丽颜料。文艺复兴时期，由宝贵的青金石提取出的天青色传达了灵性和纯洁。在20世纪，艺术家们探索了色彩的情感影响，蓝色通常代表平静和内省。瓦西里·康定斯基（Wassily Kandinsky）将其视为灵性和无限的象征，而伊夫·克莱因（Yves Klein）则创造了他浓烈的国际克莱因蓝，作为无限虚空的象征。马克·坦西（Mark Tansey）的蓝色单色调作品促使观者质疑洞察力和现实的基本性质。仔细观察，你会注意到一只蜻蜓飞向日葵拜访花之王子。蜻蜓经历了从若虫阶段到优雅有翼形态的惊人变形。这个变形过程使得蜻蜓被视为变化、适应性和个人成长的象征。蜻蜓闪烁的翅膀及其灵活的飞行方式，使它们与幻觉、梦境和超凡领域产生联系。在一些文化中，蜻蜓被认为是来自精神或梦境世界的信使，在不同领域之间传递信息，或者充当神圣空间的守护者。
《瞬息全宇宙》海报。
你为很多奥斯卡获奖电影绘制海报，当时在为电影《瞬息全宇宙》制作电影海报时是基于怎样的考虑，如何安排画面构图和捕捉人物神情？可以为我们分享下合作过程中的细节。
A：海报的构图灵感源自文艺复兴时期的天花板壁画。我的构思是创造一幅从各个角度都能吸引观众的图像，因为它围绕着中心的一个空洞旋转，仿佛一个黑洞般吸引着观者的目光。在开始制作海报之前，我有幸观看了电影的未完成剪辑，并获得了数百张幕后制作照片和道具。电影本身非常疯狂且宏大，同时也展现了米歇尔在一个极具表现力的角色中的出色表演，让她以多种不同的方式表达自己。
看完电影后，我自己选择了关键时刻和图像，并创建了一个粗略的草图。在获得丹尼尔斯和A24的批准后，我开始在iPad上绘制。实际上，艺术作品非常庞大，我不得不将其分成两半以创建足够高分辨率的图像。完成最终的线条绘制后，我开始在Photoshop中上色，这个过程非常具有挑战性，因为图像非常详细和复杂。我还希望海报在倒置时也能有很好的呈现效果。
因此，在艺术作品中，我们有两幅完整的米歇尔肖像——一个是她在寻求和质疑的状态，另一个是倒置的，表示她达到了接受或启蒙的状态。我非常喜欢A24制作的电影，这些电影非常清新和独特。而且我多年来一直关注丹尼尔斯的作品。所以我非常激动能够为他们的电影制作海报。我的构思是为海报创造一种类似西斯廷教堂的图像，以在混乱中创造一种创作的平衡。我从电影中的数百张参考照片中工作，将一切粗略地勾画出来，像一片线条构成的云朵一般。经过大量的擦除和重绘，这片云朵逐渐凝聚成了可以识别和有序的形象。
《百鸟朝凤》，布面丙烯，305×625×4cm，2019。
你如何看待自己的跨文化身份？在跨文化成长背景和教育环境中，如何找到自己的艺术表达方式？
A：在我早期的创作中，能看到很多美国流行文化的影响，比如漫画书、动画。但是我也喜欢东方艺术，以及各种原住民艺术，我觉得自己和这类创造力之间有种亲近感，它们来自于对精神或另一维度世界的描述，并展现在服装、壁画、纺织品的图案中。这些都汇集在我的速写本里。我认为，这些速写之所以吸引了大量观众，正是因为它描绘了一种直观的感觉，而这种感觉是人类共通的。有时我认为我的作品是一张意识与潜意识的心灵地图。在创作作品时，我会同时做出有意识的选择和直觉的选择。由于我是一个文化历史视觉符号的狂热消费者，不论是土著服饰或是丝绸卷轴画，还是漫画里的不同元素都会进入我的作品。所有这些影响在我内部盘旋，寻求着一种平衡。
《旅程》，布面丙烯，335×1097×4cm，2019。
在创作的艺术作品中，你觉得最核心的叙事方式是什么？
A：当画面中出现可辨识之物时，它会邀请观者去创造联想与联系，从而编织出一个故事。我擅长去创造富有想象力的世界和角色，所以我尝试追随自己的直觉，让内心的冲动成为指引。关于什么是好是坏，是高尚是低俗的先入之见，可能会遮蔽创作的过程。因此，我必须放下过去所学所闻的诸多束缚，才能让真实的自我意图在创作中流露出来。
从时尚（普拉达，山本耀司）到科技 （Apple，OPPO），再到音乐（防弹少年团）以及电影海报（《瞬息全宇宙》、《水形物语》），你在跨界合作时比较看重什么？如何让视觉表达语言为品牌重塑形象？
A：我总是尝试寻找机会，将个人的创作兴趣融入品牌故事之中。这样的融合让双方都能获得更深的合作内涵与层次——在这个过程中，我们总能发现新的想法和可能性。对我而言，这不仅仅是重新塑造品牌形象，更是让我的作品在新的背景下焕发生机，以新的方式触达观众。通过品牌合作，我的作品以一种奇妙的方式，在人们的日常生活中实现了不同的触感和相关性。突然之间，人们可以以一种可接触的方式触摸和生活在这些作品中。同时，他们也能将这种商业可及性与我的作品在画廊和美术馆中的展示进行调和。
