前言

本书（课程）最早的名称是《西方诗学》，当时我深受海德格尔的影响，更偏向于使用亚里士多德的“诗学”概念，以为后形而上学的思想要放弃传统形而上学的概念，“艺术”和“哲学”这样的专名也属此列。海德格尔后期不再说“艺术”与“哲学”，而是喜欢说“诗”（das Dcihten）与“思”（das Denken），两者都是动词／动名词。海德格尔的想法并非无理，而是基于新思想的要求，但现在看来，这种要求显然过于拘泥和严苛，不利于学术性写作和交流。主张一种新哲学，也未必就要弃用“哲学”之名吧？所以，我现在把这本书定名为《艺术哲学》了。

如今我虽然没有放弃“诗学”之名，但越来越喜欢“艺术哲学”这个名词了。比较而言，另一个更流行的名称“美学”可能是更不合适的，因为它在起源上是一个知识论／认识论的名称，但我也并不坚定地反对“美学”，认为不妨在宽泛意义使用之。在本书中，我差不多在同等意义上使用“诗学”“美学”“艺术哲学”（甚至“艺术理论”），这就是说，我并不想纠缠于这些名称之间的细微差异。不过，我总体上倾向于分别使用“古典诗学”“近代美学”和“现当代艺术哲学”。

与坊间常见的美学史教材的编写方式不同，本书没有严格按照传统的历史分期（古希腊、罗马到中世纪、文艺复兴、近代、现代等）来编写，而是尝试把历史叙事与问题逻辑结合起来，以艺术与哲学的关系为主线，梳理西方艺术哲学的历史，把艺术哲学史简化为古典诗学、近代美学和现当代艺术哲学三个阶段，并且把关注的重点放在两端，即古典诗学和现当代艺术哲学。本书共八章：古典诗学／古典艺术哲学二章（“艺术与哲学”“艺术与自然”）、近代美学／近代艺术哲学三章（“诗性与知性”“经验与超越”“启示与审美”）、现当代艺术哲学三章（“美感的暴力”“艺术与真理”“后哲学的艺术”）。

本书同时也希望简化艺术哲学的问题，抓住传统西方艺术哲学／美学的三个基本范畴即“创造”（poiesis）、“美感”（aesthesis）、“陶冶”（catharsis），以及与此相应的三个原则即“形而上学原则”“审美原则”和“道德主义原则”，据此来梳理艺术哲学的问题结构，探讨当代艺术哲学的基本处境和基本问题。即便在古典和近代艺术哲学的讨论中，本书也努力贯彻“以今释古”的阐释方法和原则，问题优先，而不再拘泥于历史细节。本书以当代哲学（特别是现象学和实存哲学）和当代艺术（特别是博伊斯的“扩展的艺术概念”）为背景，着眼于20世纪新文化格局中艺术与哲学之关系的重构，试图超越传统美学概念，形成新艺术哲学之思。

因此，本书设计了三项目标：一、通过对西方艺术哲学史重要节点的研讨，获得关于艺术哲学之历史阶段及阶段性特征的总体理解；二、通过把握艺术哲学的问题逻辑，形成艺术考察和研究的问题意识及学术视野；三、通过研讨，加深关于当代艺术的理解，以及有关未来艺术之可能性的探测。

顾名思义，“艺术哲学”就是关于艺术的哲学或关于艺术的理论探讨。但艺术需要哲学吗？艺术学院需要讲理论吗？艺术专业的学生需要学习哲学，了解艺术理论、诗学或美学之类的吗？这是我在多年来的《艺术哲学》课程教学过程中经常被追问的问题。其实，这个问题也就是艺术与哲学的关系问题了。在常识中，艺术与哲学的对立已经根深蒂固了。老辈哲学家们的说辞也加强了这种对立感。维柯早就断言：诗性与知性相对立，感受强则理论弱，理论强则感受弱，两者是不可能共生共长、相互促进的。尼采在《悲剧的诞生》中曾提出一个反方向的问题：搞音乐的苏格拉底是可能的吗？或者也可以问：“理论人”苏格拉底还可能搞艺术吗？尼采给出的答案也是否定的。

如果我们现在来问，艺术家需要哲学吗？搞艺术的可能搞哲学吗？反过来问，搞哲学的可能搞艺术吗？那么，我们提问的处境明显已经不同于尼采当年，更不同于维柯时代了。恰恰差不多从尼采开始，并且经由尼采，时代风貌大变，艺术与哲学的边界开始模糊了；其实，尼采本人就属于重构艺术与哲学关系的先导者，并且把两者之间关系的调适和重塑理解为时代文化变局的核心问题。在此我们更用不着提更后来的，特别是第二次世界大战以后的当代艺术了——在我看来，当代艺术的主体正是观念艺术；在当代艺术／观念艺术中，发生的竟是以艺术之名向哲学的进攻和蚕食。在今天，谁还能说运用观念只是哲学的事了？谁还能说艺术与观念无涉，甚至艺术与观念对立呢？

如若这样，我们就必须认为，“艺术哲学”不但对于艺术家或者艺术专业人员来说是必需的，而且对于哲学家或者哲学从业人员来说也是必需的。说到底，艺术是每个人的，哲学也是每个人的。尼采说得最妙，他说自己的“总任务”是：“表明生活、哲学和艺术之间如何能有一种更深刻的和意气相投的关系。” 尼采的这个“总任务”应该也是《艺术哲学》课程和教材的根本任务。