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作为战后抽象主义绘画中的重要人物，肖恩·斯库利（Sean Scully）的创作糅合了欧洲绘画传统与美国抽象艺术的特质，将绘画戏剧性与视觉细腻性结合在一起。他的画作中以条纹或方块颜色的水平和垂直排列，使其抽象绘画呈现出既平静又充满活力的视觉效果。
同许多抽象主义大师一样，斯库利的创作也是从具象开始的——他画了许多具象的素描和油画作品。后来，受到至上主义和建构主义的影响，斯库利转而在“艺术的普遍性与公认的定义之间，创造人们未曾见过的东西。这种自由的思考有点像建筑思维，但去掉了空间，所以一切都被压缩了”。（引自肖恩·斯库利过往报道）
曾经建筑工地上随处可见的方形砖块，平面设计模版的网格，以及蓝调音乐中的融合主义气质，都在斯库利的作品中流淌，并在他于1969年的一次摩洛哥旅行后的创作中迸发出来。受到该国无处不在的有流动性的韵律图案的启发，他创作出了第一幅条纹画。1972年，斯库利前往美国，当时美国正在盛行的极简主义深深吸引着他。他曾在与策展人菲利普·多德的对话中提到：“抽象艺术有一种催眠性的魅力，它让我觉得没有包袱”。意识到科技已然改变了整个世界，各地域间的同步性问题变得至关重要，斯库利开始寻找一种全球化的纯粹的艺术语言，他决心将抽象性从极简主义中分离出来。
20世纪80年代初，斯库利开始前往墨西哥尤卡坦州旅行。在那里，玛雅古墙壁堆叠的石头在光影的映照下呈现出时间的质感，推动着斯库利第一次用水彩作画，并开始用“条纹”和“石板”等象征性符号表现时间的痕迹。在这些作品中，他将欧洲绘画的色彩传统与美国抽象的规模和表现力融合起来，通过垂直和水平线条或块的排列构成结构，为几何线条的构成主义作品带来绘画笔触的感性艺术气息。他运用或热情或冷峻的色彩，为作品注入了近乎无限的、抒发情感的跳动，推动着抽象艺术的发展。
不同于其他抽象艺术家对几何意义上的线条和色块的关注，斯库利非常注重材料的物理性质以及人类的整体情绪，为此，他不断松动绘画中的条纹色块，越来越宽松地处理颜料，重叠的色调和粗糙的边缘逐渐出现在画面，他的创作逐渐向更具情感和人文性的层面转变。