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“巴洛克”一词的来源有两种既不相同但相互间又有联系的讲法。一种认为源于葡萄牙语或西班牙语，意为“畸形的珍珠”；另一种认为源于拉丁文，意为“古怪荒诞的思想”。巴洛克设计突破了古典艺术的常规，反文艺复兴时期形成的追求高度写实与和谐端庄的人文主义传统，而追求华丽、夸张、怪诞和壮观的表面效果，以鲜明饱满的色彩和扭曲动荡的曲线，通过光线变化和形体的动感来塑造一种精神气氛，从而把现实生活和激情幻想结合在一起创造出一种惊心动魄的戏剧性趣味。
图 2.20 巴洛可风格的祭坛设计
图 2.21 巴洛可风格的雕塑
图 2.22 圣彼得大教学广场全景
“洛可可”一词，是从法语Rocaille转变而来，原意是指建筑装饰中的一种贝壳形装饰图案。霍格斯在他的《美的分析》一书中这样来评价洛可可风格：“繁多而不杂乱，简朴而不裸露，丰富而不俗艳，明晰而不刺眼，充足而不过量。”到路易十五在位时，法国艺术进入洛可可风格的鼎盛时期，洛可可式风格称为“路易十五式”，主要是由于它盛行于路易十五时代。洛可可最初是在室内的装饰设计中出现，后来扩展到了雕刻和绘画领域，在法国，洛可可艺术设计占据了整个建筑和家具领域。
图 2.23 洛可可风格挂钟
图 2.24 洛可可风格器皿
图 2.25 洛可可风格的椅子
图 2.26 浴女
在欧洲艺术史上，古典主义指的是以古希腊和古罗马艺术为典范的艺术，一般具有明晰、严谨、形象、和谐的特点，歌颂理想主义，气魄宏大，多以神话、圣经和历史事迹为题材，有人概括它为“伟大风格”。
图 2.27 凡尔赛宫图
图 2.28 凡尔赛宫内部装饰
英国工艺美术运动从本质上来说，它是通过艺术和设计来改造社会，并建立起以手工艺为主导的生产模式的。工艺美术运动不是一种特定的风格而是多种风格的并存。
英国工艺美术运动主张美术家从事设计，反对“纯艺术”。它对设计改革的贡献是重要的。工艺美术运动提出了“美与技术结合”的原则，强调“师承自然”、忠实于材料和适应使用目的，创造出一些相互而适用的作品。英国是最早工业化和最早意识到设计重要性的国家，但它将手工艺推向了工业化的对立面，这无疑是工艺美术运动违背历史发展潮流的重大缺陷。
许多美国设计师都受到英国工艺美术运动的影响，并认为这种风格的设计可以展现民族传统的精神，正如盖斯塔维（Stickley Gustav），理伯特（charles p. Limbert）和哈勃哈特（Elbert. G. Hubhard）等人，他们都试图在工艺美术运动中寻求对日益工业化的社会的解脱。1898 年，盖斯塔维游访欧洲各国。他遇到阿什比（charles R.Ashbee）和沃依瑟（CharlesVOySey）这样的设计师。回国后，盖斯塔维在纽约建立了自己的工作室。1901年，他出版了极具影响力的杂志《工匠》，他质朴的家具设计使人想起拓荒时期的家具风格，他提倡筒単、实在的设计，美国的艺术与手工运动与英国的比较起来，没有那么复杂，装饰性也较弱。比如设计师威廉姆·布莱斯（william price），深受莫里斯乌托邦理念的影响，因而在费城的莫里兰建立了玫瑰谷社团。这个举动企图实现工艺美术运动的社会和谐理念。赖特（Frank Ljoyd Wight）是运用工艺美术运动理念设计的建筑设计师。他综合应用了东西方影响，如PRAIRIE学院风格，并具备利用天然材料的纯熟技巧，使他的建筑与周围的环境和谐统一。工艺美术运动在追求质量可靠、形式简练的同时还追求产品和装饰的道德价值。工艺美术运动代表了一种社会行为，艺术家们都怀着改造社会的理想主义思想。
图 2.29 椅子设计
图 2.30 莫里斯的室内装饰设计
“新古典主义”是一种艺术风格的名称，它所指的是公元 18 世纪末至 19 世纪前期在欧洲流行的一种崇尚庄重典雅，带有复古意趣的艺术风格。公元 18 世纪后半期，繁缛不堪，甚至荒谬怪诞的洛可可艺术已引起了人们的厌倦。于是，古希腊罗马时期的一切文化遗产的兴趣都增强了。同时，罗马古城赫克拉尼姆和庞贝重见天日，从而在整个欧洲都掀起了研究罗马古典艺术的热潮。另外，德国美术史家温克尔曼的理论著作《希腊艺术模仿论》和《古代美术史》也在法国引起了强烈反响。法国艺术家提出的“高贵的单纯和伟大的静穆”为古典主义的标准，进行了一系列的题材和形式的变革。具体地讲，就是以古典主义的庄重典雅和单纯实用代替了洛可可的那种矫揉造作、纤巧华丽的脂粉气。公元 19 世纪前半期的欧洲工艺美术以新古典主义为主要流行样式，在法国，集中体现在大革命时期；在英国，多指摄政时期；在意大利流行时间较长，几乎反映在整个公元 19 世纪的工艺美术中；在西班牙和德国则以公元 19 世纪初期为主。新古典主义时期工艺美术风格反映了新兴资产阶级的审美意识。它的出现标志着没落的宫廷艺术即将进入尾声。新古典主义工艺风格的产生，使人们有机会冷静地回顾并温习了古希腊罗马艺术的真谛，从中领悟古典艺术的品位和魅力，体验古典艺术的美学思想和艺术法则，对新兴市民阶层的审美观念和文化意识产生了很大的影响。新古典主义工艺风格的形成为欧洲现代工艺和现代设计的产生奠定了良好的基础，它以崭新的审美观念和工艺美学思想构筑了通向现代工艺文化的道路，是欧洲现代工艺与现代设计的前奏。
美国设计家、装饰艺术家路易斯·康福特·铁法尼（Louis Comfort Tiffany，1848-1933）生于金银首饰制作世家，从小即对装饰艺术产生了浓厚的兴趣。公元 1879 年，他成立了以自己名字命名的装饰艺术公司，以室内设计和家具设计为主，取得了巨大成功。后曾接受美国总统府的委托，负责部分室内及家具设计。公元 1880 年他对玻璃器皿的设计和制造产生了巨大的兴趣，不久即创制了一种新型玻璃工艺，并取得专利，称为法维列玻璃。利用这种工艺生产的玻璃不仅能在表面形成犹如锦缎般的光泽，而且仿佛将各种美丽的色彩注入了玻璃，形成彩虹般的效果。如图所示的孔雀花瓶，虽形似展屏的孔雀，但那流动的线条、梦幻般的色彩绝非自然界那美丽的生灵所能媲美的。法维列玻璃立即成为欧美最为流行的玻璃制作工艺。
图 2.31 路易斯·康福特·铁法尼
图 2.32 路易斯·康福特·铁法尼
19 世纪末 20 世纪初，欧洲艺术家们所创造出来的与人们实际生活相关的新的艺术形式称为“新艺术”（Art Nouveau）。1896 年巴黎开设了一家名为“新艺术”的商店，专门出售这种新艺术风格的产品，“新艺术”由此得名。这是一种代表着时代特色的新艺术风格和新的艺术形式，是他们在世纪末和世纪初所有情感的综合性反映。新艺术运动其动机主要有两个方面：一是与历史主义决裂，打破旧传统创造出适合时代需要的新形式；二是与自然主义划清界限，针对当时自然主义对自然简单的、生搬硬套的形式模仿，提出设计应该表现自然界所蕴含的内在规律和旺盛的生命力，真正把握自然、理解自然。而这种艺术形式也确实是一种新风格，虽然它带有欧洲中世纪艺术和 18 世纪洛可可艺术的造型痕迹和手工艺文化的装饰特色，但它同时还带有东方艺术的审美特点以及对工业新材料的运用，包含了当时人们对过去的怀旧和对新世纪的向往情绪，成为体现时代特色的艺术形式。
新艺术运动的内容几乎涉及所有的艺术领域，包括建筑、家具、服装、平面设计、书籍插图以及雕塑和绘画，而且和文学、音乐、戏剧及舞蹈都有关系。这一运动带有较多感性和浪漫的色彩，是传统的审美观和工业化发展进程中所出现的新的审美观念的产物。新艺术运动从自然界中吸取灵感，采用各种自然物的纹样作为装饰的题材，主张用华美精致的装饰设计来展示新的社会发展和时代精神。新艺术运动在欧洲产生了强大的冲击力，为新的设计形式的萌发和创造开辟了道路。
“新艺术”一词成为描绘 19 世纪初的艺术运动以及这一运动所产生的艺术风格的术语，它所涵盖的时间大约从 1880 年到 1910 年，跨度近 30 年，是指在整个欧洲展开的装饰艺术运动。在此以后，几乎再没有这样地域范围广泛的艺术运动产生，新艺术运动展示了欧洲作为一个统一文化体的最后辉煌。
新艺术产生的社会根源有多方面的因素，最主要的影响是莫里斯倡导的“艺术与手工艺运动”。艺术与手工艺运动中的许多宗旨成为新艺术遵循的原则，如采用自然的纹样作为装饰的主题，美术馆应该适度。新艺术运动和艺术与手工艺运动不同的是，新艺术运动并不反对机械生产；相反，它能够逐渐地接受机械化的变革，使新艺术运动成为连接现代设计运动的桥梁。
1890 年至 1910 年，新艺术运动在欧美盛行，是一种装饰风格的艺术。设计摆脱了旧有传统的束缚，发生了新的飞跃。新艺术运动以英国、法国和比利时为中心，波及德国、奥地利、意大利、西班牙，美国在短时间内也出现过新艺术形象。“新艺术”在各国呈现出不同的特点和风格，即使使用相同的技巧和材料也会有不同的表现方式。这一名词是多种风格的集合体，既有非常朴素的直线或方格网的平面构图，也有极富装饰性的三度空间的优美造型。新艺术运动在本质上仍是一场装饰运动，在意大利叫做“自由风格”，在德国叫做“青春风格”，在法国和比利时叫做“新艺术运动”，在奥地利叫做“轰动风格”，在西班牙被冠名为“现代风格”。虽然叫法不同，但是他们都具备了共同的精神。新艺术装饰风格的主要特点是崇尚自然，经常运用曲线和非对称性的线条加以自由大胆的想象，这些线条大多取自自然界中具有优美曲线的形体，以表现自然物发展的内在过程。
比利时和法国是新艺术运动的主要发源地。最著名的设计师是威尔德，主要从事平面设计和产品设计。他的设计讲究功能性，装饰以曲线为主，考虑了整体的效果。1908年他出任魏玛工艺学校校长（魏玛工艺学校即包豪斯设计学校的前身）。在设计中，他坚持以理性为自己设计的源，并具借助合理的装饰为功能服务。他曾经写道：“我所有的工艺和装饰作品的特点都来自一个唯一的源泉：理性，表里如一的理性。”他的作品既带有优美适度的装饰表现，又具有简洁合理的功能结构，因此具有很强的时代性。比利时另一位新艺术运动的大师是维克多·霍塔。他在建筑与室内设计中经常使用相互缠绕以及螺旋扭曲的线条。这种线条通常称为“比利时线条”或“鞭线”，它起伏有力，并成为比利时新艺术的代表性特征。1893 年，他在布鲁塞乐都灵路 12 号设计了“塔塞尔公寓”，设计中到处充满着难以言喻的曲线美——葡萄藤蔓的枝条以及矛盾对立的线条形成了旋风似的装饰，各个小的细节都精心设置，以满足整体风格的延续。在这所建筑中，霍塔还探索使用钢材的一切可能性，使结构、材料和装饰融会贯通，从而成为新艺术设计中最为经典的作品。
法国的新艺术追求华丽、典雅的艺术效果，这是法国一贯崇尚的古典主义设计传统和象征主义结合的产物。巴黎是新艺术的集合地，在巴黎最有名的有萨穆尔·宾创建的“新艺术之家”和“六人集团”。“新艺术之家”中的设计师盖德拉设计了一整套的家具和室内陈设，参加了巴黎世界博览会。这套设计结构稳重，以弯曲多变的植物自由纹样作为装饰主题，集中体现了法国的新艺术风格。“六人集团”中最具影响的人物是吉马德（Hector Guimard，1867—1942）。吉马德是法国新艺术的代表人物。他作为法国新艺术运动的重要成员，进行设计的重要时期正是 19 世纪 90 年代末至 1905 年间。吉马德最有影响的作品是他的巴黎地铁设计——“地铁风格”。他在 1900 年至 1904 年间为巴黎地铁设计了 140 多个不同形式的出入口，这些出入口均采用金属铸造技术，形成金属结构的植物枝干，和卷曲的藤蔓，玻璃的透明顶棚则模仿海贝的形状，是典型的新艺术设计的作品。南锡学派在新艺术设计中最具有特色的是家具设计和灯具设计，著名的设计师盖勒以自然作为设计的源，在装饰上主要采用动植物作为题材，并具主张家具设计的主题与其功能应该吻合。
图 2.33 枝状大烛台
图 2.34 新艺术运动家具设计
图 2.35 新艺术运动海报设计
图 2.36 新艺术运动花瓶
立体主义的创作理念是用几何图形（圆柱体、球体、立方体、圆锥体等）来描绘客观的外在世界。毕加索（Paplo Picasso）给立体主义下了一个定义：“把我们所看到的一切，只是作为一系列各种不同平面、表面的一定分割来理解，这就是立体主义。”毕加索对自然主义的题材进行了抽象变形，到了后期，立体主义更加强烈地趋向于机器美学相联系的几何化构成。
未来主义（Futurism）首先出现于意大利的一个文学艺术思想流派，它对资本主义的物质文明大加赞赏，对未来充满希望。未来主义对于机器的崇拜确立了它在现代设计中的核心地位。勒加（Fernand Leger）20 世纪 20 年代所作的一幅画《机械的要素》的构图就充分体现了这个方面。
第一次世界大战以前，俄国已经有了抽象艺术的实践，如马维奇在 1913 年发表了被他称为至上主义的纯抽象绘画，其中有一幅作品《白底上的黑色正方形》在艺术界引起了极大的反响。后来，一批艺术家和设计师对现代艺术设计的形式进行了大胆的探索。他们积极追求符合工业社会精神的艺术语言，歌颂机器生产，对指生产和现代化的工业材料赞赏不已，并提倡用工业精神来改造社会。俄国的构成主义终于诞生了。构成主义者自称为艺术工程师，他们热衷于采用钢材、塑料、玻璃等现代材料，用机械的几何形式来展现新时代的新话题，从而创造了一种深远的影响，包豪斯的教学方法就深受构成主义的启发。构成主义最有名的作品当属建筑师塔特林创作于 1919 年的第三国际纪念塔。按照设计，这座塔塔高 400 米，比法国的埃菲尔铁塔还要高。纪念塔完全采用钢铁作为主要的结构材料，造型上是简洁的螺旋上升的几何形状，表达了一种向上的政治信念。
活跃于 1917—1931 年间以荷兰为中心的一场国际艺术运动就是风格派（Destijl）。这个国际性的设计运动在设计艺术的舞台上占据着重要的地位。它起源于立体主义运动，最终成为一个纯粹的抽象运动，深刻地影响着 20 世纪的建筑设计和产品设计。1917 年10 月，一批荷兰的设计师、艺术家发行了一本叫《风格》的杂志，风格派由此得名。这个组织以杜斯博格（Theo Van Doesberg）为领导，最初还包括蒙德里安（Piet Mondrian，1872—1944）、巴特·安东尼（Brt Anthony，1876—1958）、罗伯特·凡·特哈弗（Robert Van Thoff，1887—1979）、琼·威尔（Jan Wils，1891—1972）和乔治（Georges Vantongerloo，1886—1965）。它是一种松散的组织，成员之间主要依靠1917 年在荷兰莱顿创刊的《风格》杂志来进行艺术思想的交流。风格派的艺术主张是绝对抽象的原则，它摒弃了传统的造型形式，力图创造出一种与宇宙精神和规律相契合的抽象语言。它的成员还设计了许多颇具影响力的家具、室内摆设、织物、平面图像和建筑。风格派认为，艺术不应该与自然的物体发生联系，而应该用几何形象的构图和抽象的语言来表现宇宙的基本法则——和谐，对和谐的追求成为风格派艺术家共同的目标。风格派的中坚力量有蒙德里安和里特维尔德（Gerrit Rietveld）。蒙德里安是一位把客观的抽象艺术理论发展到极致的画家，他的绘画受毕加索、勃拉克等立体主义绘画大师的影响，非常重视画面的结构。蒙德里安在 1915 年结识了通神论哲学家舍恩·马克思，并且拜读了其著作《造型数学原理》和《世界的新形象》，舍恩·马克思关于线条与色彩的象征意义和宇宙的数学结构的理论，对蒙德里安绘画风格的发展具有决定性的影响。
图 2.37 室内透视图（杜斯博格）
图 2.38 红黄蓝油画（蒙德里安）
图 2.39 红蓝椅及茶几（里特维尔德）
流线型设计风格是随着工业社会科技的发展，以美国为中心流行起来的一种设计风格。这种外形能够符合空气动力学的原理，呈现出一种流线型，在运动中能够获得更高的速度。流线型设计最早是用在 20 世纪交通技术上。它不仅运用于功能改进上，还用在家居产品上，从电熨斗、电冰箱乃至所有的家用电器，都采用了这种表面光滑、线条流畅的形式。这些产品对消费者具有更大的吸引力。新型的塑料材料和金属模压成型方法的运用，使得流线型设计的推广成为可能，流线型设计是对圆滑和“泪滴形”的语言进行应用。20 世纪初，“泪滴形”已经成为阻力最小的形状而被人们广为接受。1921 年，德国的工程师加雷在风洞中试验流线型汽车模型的空气动力学特性，为这种形式的科学性提供了依据。美国的汽车制造业开始广泛采用这种形式，并且使流线型款式成为深受大众欢迎的时常样式。
图 2.40 美国流线型火车（米斯特·史密斯）
图 2.41 壶 德雷福斯（美国）
企业识别设计和包装设计联系紧密。市场上不同的标志意味着不同的公司，什么样的品牌提供什么样的产品和服务。企业识别设计的中心就是企业商标，它用在企业的每件物品上，包括从文具到广告。贝伦斯（Peter Behrens）在他担任AEG艺术顾问时，是第一个实行这个企业识别设计项目的人。他应用多种设计语言不仅包括公司产品及平面设计，还包括工人的宿舍及厂房设计，这使AEG的形象广为人知（图 2.42）。整个 20 世纪，尤其在市场全球化的今天，商业机构都越来越倾向全球化企业识别设计语言。在1950 年期间，“优良的设计是良好的买卖”成为视觉传达设计中使人感到备受鼓舞的口号。
图 2.42 AEG招贴画设计 彼德·贝伦斯（德意志工业联盟）
波普（POP）设计出现于 20 世纪 50 年代，又称流行艺术、通俗艺术、新达达主义，代表着流行与大众化的品味。它的鼎盛时期是 20 世纪 60 年代，主要活动中心在英国和美国。它代表着 20 世纪 60 年代工业设计追求形式上的异化及娱乐化的表现主义倾向。波谱艺术的设计师在现实社会寻求发展，他们把现实生活中最常见的东西插入艺术——以大众商业文化为基本特色的波普艺术应运而生。第一件波谱艺术作品，是英国画家理查德·汉密尔顿（Richard Hamilton）剪接拼贴的《到底是什么使得今日的家庭如此不同，如此有魅力？》（图 2.44）。该画表现的是一个现代公寓中的一个场景：一个傲慢的女郎和她的配偶。室内摆放着大量现代生活产品：沙发、电视、台灯、录音机、广告画等，画中所有的东西都用本来毫不相干的印刷品剪接拼贴而成。1961 年，英国的一批青年艺术家举办了《青年同代人专栏》，展出了大量的由实物拼贴、综合而成的新型作品，这次展览宣告了波普设计艺术在欧洲流行的开始。
波普艺术的手法是利用现成的工业、商业新产品。从饮料、化妆品的广告、商标、电影宣传画，到汽车灯、车窗、家用电器，等等，把它们加以改造、加工，然后重新组合和拼贴，赋予一定的社会思想意义，由此构成一件新的艺术作品。波谱设计师穆多什用纸板折叠而成的儿童椅，它表面饰以字母，十分新奇。意大利波谱设计则体现出软雕塑的特点，代表作有“嘴唇”沙发（图 2.45），手套沙发（图 2.46）等样式。
艺术家理查德·汉密尔顿、雕塑家包洛奇（Eduardo Paolozzi）、设计批评家办哈（Eyner Bnham）和建筑师斯密森（Peter Alison Smithson），他们是第一批探索和促进美国大众消费文化的人员。20 世纪 60 年代，美国的艺术家如安迪·沃尔（Andy Warhol，1928—1987），克莱斯（Claes Oldenburg）等人从低调艺术中汲取了大量的灵感。波普艺术更基于年轻人的设计，自然而然地开始向日用品的领域进军。20 世纪 50 年代的社会环境鼓励“今天用，明天扔”，彼特·默多克（Peter Murdoch）设计的椅子（图 2.47），乌比诺（De Pas，D'Urbino）和罗马兹（Lomazzi）设计的PVC摇椅，明显地体现了当时文化的短暂性。大量的媒体也对波普艺术给予越来越多的关注。20 世纪 60 年代，很多新兴的塑料出现，具有波普设计理念的设计师就开始大量运用塑料（图 2.48）。波普艺术受到了经济繁荣以及自由主义的助长，它的彩虹色彩和大胆的形式消除了战后朴素主义的痕迹，这也反映了 20 世纪 70 年代的激进设计。它从新艺术、装饰艺术、未来主义、超现实主义、光效艺术、幻觉艺术、东方神秘主义、太空主义中汲取营养，并在大众传媒的助长下茁壮成长。波普设计的影响深远，也为后现代主义的发展奠定了基础（图2.49）。
图 2.43 “BLOW”充气沙发 波普风格
图 2.44 波普拼贴画 理查德·汉密尔顿
图 2.45 “嘴唇”沙发（意大利）
图 2.46 手套沙发（波普设计）
图 2.47 POP派椅子（彼特）·默多克
图 2.48 充气沙发（波普设计）
图 2.49 波普运动的沙发设计
“国际风格”一词最先由阿尔弗莱德（Alfred H.Barr Jr）于 1931 年发明，他是纽约现代艺术博物馆的董事长。1922 年后的建筑，如菲利普·约翰逊（Philip Johnson）1932 年划时代性的展览作品，现代主义者如柯布西耶、格罗佩斯、米斯·凡·德罗的一些作品体现了这种风格。阿尔弗莱德认为国际风格超越了国界，尤其是现代运动中的建筑师及设计师们，将功能、技术与几何的形式语汇相结合，产生现代主义美学观。也许国际主义最值得一提的成员是米斯和格罗佩斯。因为他们移居到美国后，不遗余力地尝试“国际化”；现代主义不仅贯穿于他们的建筑及展示中，同时体现于他们战后在美国教学中的宣扬。战后的设计师，尤其是美国的“诺尔国际”（Knoll），伊姆斯（Charles Eames）和尼尔森（George Nelson）使这个既现代又民主的方法与工业大生产相结合，以此制造出符合“优良设计”要求的作品。在 20 世纪 20～30 年代期间，建筑及室内设计的国际风格由几何形式结合雕塑元素和有机元素的方法，使国际风格人性化。与他们相反，还有其他一些设计师运用对国际风格的逻辑归纳，创造出“野兽主义”，运用非人性的材料及暴露粗灰泥的水泥表面及生硬的几何形式。在 20 世纪 70 年代、80 年代，诺曼·弗斯特（Norman Foster）等建筑师设计的产品赢得了广泛赞誉，如图 2.50 所示。
图 2.50 茶几（诺曼·弗斯特）
创立 ：1919 年在德国魏玛由格罗佩斯（Gropius）创建，它是世界上第一所完全发展设计教育的学院。它的前身是比利时设计师威尔德于 1902 年建立的魏玛工艺美术学校。
宗旨 ：“艺术与技术新的统一”从命名看其宗旨：德文“Bauhaus”是由“Bau”（建筑）和“haus”（房子）组成，也就是“建筑之家”的意思。
图 2.51 第一个包豪斯标志 1919
图 2.52 第一个包豪斯标志 1922
（1）早期阶段——魏玛时期（1919.4—1925.4）
这个时期是包豪斯的创业时期，面临着来自外部和内部的重重压力。
第一次世界大战后，德意志帝国掀起“十一月革命”改制魏玛共和，知识分子们面临战败的屈辱，怀抱狂热的社会改革理想，格洛皮乌斯在这股思想潮流下，欲建立一所崭新的建筑与设计学院，一实现对团队合作精神、发扬手工艺传统训练及乌托邦式的理想。1919 年 3 月 16 日，格罗佩斯正式被委任工艺美术学校与魏玛艺术学院的校长。格罗佩斯（WALTER GROPIUS）任校长，提出“艺术与技术新统一”的崇高理想，肩负起训练20 世纪设计家和建筑师的神圣使命。他广招贤能，聘任艺术家与手工匠师授课，形成艺术教育与手工制作相结合的新型教育制度；1919 年 3 月 20 日，发表了由格罗佩斯起草的包豪斯宣言。部分宣言展现了包豪斯教育的崇高理想与目标。起初格罗佩斯只聘请了三位教授：利奥尼。费宁格，瑞士画家约翰。伊登以及德国雕刻家格哈德。马可斯和他本身共四人组成教职员阵容。直到后来才陆续有瑞士表现主义画家保罗。克利，奥斯卡。史雷梅尔，俄国表现主义画家瓦西里。康定斯基与匈牙利构成主义艺术家拉士罗。摩荷里。那基的加入。
格罗佩斯（Gropius）：20 世纪最重要的现代设计家、设计理论家和设计教育的奠基人，包豪斯的创建者，奠定了设计教育特别是建筑设计教育的现代主义、国际主义的基础。格罗佩斯设计的建筑特征：采光性好、非对称性结构、墙面简洁整齐，没有任何装饰平屋顶，没有挑檐大面积的玻璃幕墙。
图 2.53 格罗佩斯
（2）迪索时期（1925.4—1932.9）成熟时期
1925 年，由于魏玛政府的反对，包豪斯被迫迁到迪索。1928 年，格罗庇乌斯辞去了校长职务，建筑系主任汉内斯·迈耶（hannes Meyer，1889—1954）接任校长。迈耶于1930 年辞职，由米斯继任。中期的包豪斯基本承传早期的衣钵，并开始走向成熟。
这时，包豪斯已有了自己培养的毕业生来从事教学，在全部的 12 名教员中，这样的毕业生有阿尔柏斯（Joesf Albers）、拜耶（Herbert Bayen）、布鲁尔（Marcel Breuer）、辛柏（Hinnerk Scheper）和斯托兹（Gunta Stolzl）。
图 2.54 迪索时期的全部教员
迈耶：共产党员，具有民主思想，但他把政治思想扩展到教学中，使学校面临很大的政治压力，内外矛盾加剧。
对包豪斯的贡献：
把建筑系分为建筑与建筑理论部及室内设计部，并组建了广告系，设立了新的摄影工作室。
强调建筑的功能与社会性。
积极促进设计与市场的联系。
拜耶：包豪斯中德才兼备的学生，最突出的成就是字体设计，他设计了以小写字母为中心的无装饰的字体，在包豪斯的印刷物上大量使用。
图 2.55 海报设计拜耶（1927）
（3）柏林时期（1932.9—1933.8）痛苦的结局
1930 年 8 月，米斯·凡·德洛接替包豪斯校长职务，着手进行了大幅度的改革。他的种种努力并没有维持住包豪斯的生存地位，1931 年，包豪斯被迫迁往柏林，政治气氛的进一步恶化，终于使包豪斯于 1933 年 8 月彻底解散。至此，包豪斯结束了它 14 年的历程。学校中的教员和学生大部分都流散在欧洲各地，1937 年以后，他们多数移居美国，并在新的国家开始发展，将包豪斯的精神和经验传播到世界各地。
米斯——现代主义建筑设计最重要的大师
对包豪斯的影响：
学校的非政治化方向。
教学体制的改革。
把学校建立在建筑设计的基础上，以建筑为核心来凝聚其他专业。他的改革有一定的积极作用，但是也有负面效应，如吸收上层阶级子弟入校，重理论轻实践，激化教员内部矛盾等。
对现代主义设计的贡献：
提出“少则多”（Less is more）的原则，提倡简洁、纯净的建筑设计形式。
通过教学影响了几代设计师，从而改变了世界建筑的面貌，对国际主义风格的发展起了重要作用。
美国作家汤姆-沃尔夫曾经在他的著作《从包豪斯到我们的房子》中提到“米斯的原则改变了世界都会的三分之一天际线”。
图 2.56 魏森霍夫椅（料斯）
1931 年，纳粹党终于控制了迪索市市议会，包豪斯在迪索市政府中的政治支持也就宣告结束了。对于学院的批评和指责，在迪索市议会中越来越激烈，越来越频繁。纳粹批判包豪斯的原因之一是指责这所学校宣传国际主义，或者世界主义，它们搞的设计教育和苏联人、荷兰人、法国人搞的几乎是一模一样的，按照纳粹的逻辑，国际主义就是共产主义，国际主义就是反德国的，反德意志人民的；宣传国际设计风格，就是反对德国民族风格，反对日耳曼传统，因此，现代主义是反德国的，是共产党的、布尔什维克的。更加滑稽的是指责包豪斯搞犹太主义设计，原因是因为现代主义采用平顶屋顶，平屋顶不适合多雪多雨的北欧地区，不适合德国，而是属于温暖的地中海地区，是犹太人的设计要求，因此，搞现代主义设计，就是犹太主义。既然包豪斯的现代主义是共产主义、犹太主义、反日耳曼的，那么，应该封闭。迪索的新上台右翼政府决定关闭包豪斯。
1932 年 9 月份，迪索政府通知包豪斯关闭。9 月 30 日，纳粹党人冲进学校，大肆搜查，打破窗户，翻箱倒柜地进行破坏，把学校的所有设备、工具、文件全部从窗口扔到街上，他们还想把整座校舍炸平，只是因为这座校舍太为著名，才没有遭到厄运。这一天可以说是迪索时期的结束，迪索时期是包豪斯历史上最重要的一段时期，它就如此简单地在纳粹的践踏下被结束了。
1932 年迁至柏林的斯提格利茨，成为私立学院，名称为包豪斯与研究学院。
学校的关闭：1933 年元月份纳粹政府上台，4 月德国文化部发出第一号命令，就是关闭包豪斯。
贡献：
（1）对现代设计教育的贡献
改变了以往美术院校片面的教学方法，实行“双轨制”教学。
形成了后来设计艺术教育的三大构成课程的主体框架。
开始了采用现代材料的、以批量生产为目的的、具有现代主义特征的工业产品设计教育，给后来的工业设计科学体系奠定了基础。
建立与企业、工业界的联系，使学生能够体验设计与生产的关联，在实践中得到锻炼。
（2）对现代主义设计思想和设计实践的贡献
艺术与技术的新统一。
格洛佩斯：“工艺仅仅是达到目标的手段，而工业的作用才是未来生产的基础”。
“包豪斯决不伪装成一所工艺学校，他与工业接触的方针是一种可以寻求的目标，旧的工艺工厂将可以发展成为工业的实验室，并从实验之中建立起工业产品的标准。”
设计必须遵循自然与客观法则进行，形成了真正的理性主义设计原则。
设计的目的是功能。
强调产品外观的单纯、简明，强调几何构成。
局限性：
（1）过于强调形式的简约，突出功能，忽视了人对产品的心理需求，影响了人与产品之间的情感和谐，机械、呆板、缺乏人情味。
（2）产品设计多停留在传统产品上，对现代的汽车、家电等研究较少，大都停留在实验室里，其设计思想的真正实现是二战之后在美国完成的。
在 20 世纪之前的漫长历史演进中，美术与设计长期以来被归于艺术创造的范畴之中。以绘画、雕塑、建筑为主体的视觉艺术与手工艺这种传统意义上的设计之间的紧密关系始终贯穿于艺术发展的进程之中。直至 19 世纪末期，“工艺美术运动”的代表人物威廉·莫里斯提出了“艺术与技术结合”的原则，主张美术家从事产品设计，既揭示出设计与艺术的必然联系，又显示出了设计师独立的姿态。受莫里斯影响的包豪斯创建人建筑家格罗佩斯邀请了伊顿、马科斯、穆什、费林格、克利、康定斯基等著名的前卫建筑家、现代艺术家任教，正是这些现代艺术家开创了包豪斯的设计教学并使设计理论研究大放异彩，从此符合现代机器化大生产的现代设计走上了历史的舞台，包豪斯的建立也可以看作是现代设计的开端。
现代艺术激进的探索推动了现代设计的革命。
19 世纪后期，绘画界对现代艺术激进的探索推动了现代设计的革命。在美术界对构成产生明确认识，是从 19 世纪的后期印象派塞尚开始的。塞尚的绘画构图及其方法论，与立体造型的构成是相通的。其后塞尚对构成的认识又影响了特朗、马蒂斯、乌鲁克等，使他们建立了“野兽派”。继而又建立起了“未来主义”艺术。“未来主义”又发展为革命的“达达主义”。其表现贯穿着几何的、抽象形态的意识观念。受立体主义、未来主义、构成主义等的影响，进步的设计师挑战传统，发展了符合时代的现代设计风格。立体主义是最早地把时间-空间概念转化为视觉形象的艺术派别。它利用相对性原理和同时性原理，把不同时刻观察到的对象同时地表现出来，在画面中表现出更纯粹的几何形态。画家蒙德里安是荷兰风格派的哲学和视觉造型发展的源泉。他受立体派等前卫艺术的影响，摒弃了设计作品中的一切元素，把视觉词汇减少到使用红、黄、蓝及黑白色，形体与造型只限于方形和长方形，以庄严的不对称的构图，达到一种紧张和平衡的绝对和谐状态。
受此影响，设计师里特维尔特设计的“红蓝椅子”和“施罗德”住宅，把蒙德里安的二维构成延伸到三维空间，成为“风格派”设计的最著名的代表作品之一，是现代主义设计在形式探索上一个非常重要的里程碑。对大工业生产方式的认同强化了对秩序的要求，简洁能使设计体现秩序、设计师开始抛弃虚饰的传统做法。现代德国设计师受到勒·柯布西耶等人简洁主义的影响，将几何性看作设计的神圣原则，以排斥装饰，注重基本形态著称，成为理性主义设计的先锋。
综上所述，现代艺术中这些特性与大机器批量生产的标准化、机械化技术要求正好合拍，成为大机器生产的必然选择。在两者相结合的基础上诞生了现代主义设计。
随着超现实主义、表现主义、构成主义等派别的更迭与转换，设计样式也如同现代艺术一样变幻无穷。其中既有形式、语言的开拓，又有精神内涵的丰富多彩，超时空概念。20 世纪 60 年代，装置艺术以开放的姿态充分地吸取了绘画、设计、商业以及生活垃圾等一切造型手段和语言因素，创造了一个新的艺术领域。这一视觉观念很快影响至设计。与此同时，绘画艺术也同时受到设计与商业文化的启示，如理查德·汉密尔顿采用照片、画报、招贴印刷材料组成了《是什么使今天的家庭如此不同又如此吸引人》，成为波普艺术的开山之作。以视错觉、有秩序变化的图像重复、形成视觉的动感和错觉的波普艺术，表现的是另一种依赖视觉残像及视错觉表现的媒体形式，后来发展成动感艺术，加上声、光、影形成一种空间、立体、平面的综合艺术，依赖于人们的视网膜影像错觉引发心理现象所展现的一种装饰味的媒体设计。这种设计风格在海报、电视影像、包装设计中常为设计家所采用。而发端于 70 年代的后现代主义，则是对国际主义风格的反叛，以寻求更有活力的、多元的文化。通过借助过去的维多利亚、新艺术与装饰艺术风格，激发了许多设计师的怀旧思潮，将老的艺术形式进行现代化的运用，使产品具有浓厚的艺术创造意味，拓展了设计的理念和语汇。
现代设计与现代造型艺术在视觉经验、造型观念、形式语言诸方面的理解常常不分彼此，但设计除秉承现代造型艺术思维活跃、观念创新之外，还更多地深受当代工业化进程、物质技术手段等的制约和影响。从中也应该看到现代艺术与现代设计它们在本质上始终相互关联，彼此互融。
现代艺术与现代设计，它们虽然在分离中各有所求，但有一点是一致的，那便是通过视觉的魅力与精神显现，共同满足人类的多样化需求和与之相对应的对理想生活方式的期望。