下载掌阅APP，畅读海量书库
立即打开
王茜瑶在不同语境中创作，对传统文化的理解与身份的自省，在艺术的创作中成为一种隐含于内的动力和痕迹。
画布中流动的色彩与笔触包含对历史与当下的理解和融合，这种表意的身体动能不同于单纯理性或感性的概括，
她的艺术道路自然而然地形成，是长期身体力行的思考实践后积累能量的转化与生成。
由于王茜瑶身处德国，与她的交谈在线上完成，在观看王茜瑶的绘画时，目光慢慢游移的过程中总会试图寻找一丝线索，因为凝视总是被流动的无意识笔触吸引，在色彩顿挫的节奏中韵律感十足，似乎有一种宏观的结构的观念在背后隐现。色彩依附于行动，无论是触感还是无意识的维度，在画布的扩展领域中，身体潜在的经验总会“莽撞”地闪现，这并非单一身体的肌肉记忆，也有隐含的记忆编码。
不同的语境与留学生活背景，使得她这一代艺术家不再像上一代艺术那样有着沉重的文化包袱，而是可以自由地汲取不同文化的营养，自信地选择艺术道路和方式。在互联网流动的身份中，她敏感地捕捉到了自我日常忽视的一面，潜在意识会慢慢地留下痕迹，在易被忽视的日常中隐藏了我们习以为常的习惯，这些习惯本身就有着不可言说的诗意，值得我们去凝视和思考。“后护照”式的漂流的思考不仅从观念技法上滋养了创作，也促使个体的内心认同和自我接纳。
王茜瑶成长在水系丰沛、山势险峻的巴蜀地区，从小父亲言传身教，将艺术故事娓娓道来。后来在欧洲留学，王茜瑶的艺术成熟期的迸发却在平坦无垠的德国，艺术环境的反差给了她思考的缘起，在温热的气候与植被环绕的环境记忆中形成自己的情感羁绊，经过漫长的时间积累后交织在一起，在某个时刻用画笔挥洒而出，形成了我们面前的画作。
她的艺术道路的形成不是因为冲突和偶然，正如她家乡的植物，它们处在长江水系的环境下，气候得天独厚，生长自然而然。
Q=Robb Report
A=王茜瑶
Q：在绘画道路上什么时候开始非常笃定的？小时候成长环境对你的艺术创作道路的选择影响大吗？
A：我小时候父亲在家里画油画，所以家里就一直会有油画的味道。他以前一直订艺术杂志，我有时候会翻看，也会和他讨论，睡觉前他跟我讲的都是他很喜欢的艺术家的故事。感觉艺术在我生活里面，像空气一样无处不在。但是之前没有具体去想，直到报考川美的时候，才决定要走这条路。在美院里学习的过程中，我慢慢发现自己想一辈子都做这个。到德国后，到处看展，打开眼界，不断学习，然后继续自己的创作，在这个状态里就会越来越笃定。我决定了要做艺术家，觉得这个职业很适合我，每次想到以前的这个选择，还是觉得很开心，也感谢自己做了这个选择。
Q：四川美院学风非常开放，版画系又是川美比较有先锋氛围的专业，能聊一聊这段学习经历吗？
A：我们学版画先从传统的开始学，刚开始是临摹练技术，然后要做自己的创作。先是木刻、丝网版，后来是铜版、石版。版画在制作过程中不能出任何差错，我最大的收获就是学习到了那种精益求精、尽量做到完美的精神。知道了这个方面的极致，才能找到另外一个方面绝对的自由。虽然我觉得很难去找到绝对的自由，但对我帮助很大。
Q：极致到绝对的自由也是一个过程，你的作品有很多让我感觉到很随性的地方，这种随性与以往严格和极致的训练有关吗？
A：版画的制作过程特别复杂，有时创作周期特别长，需要提前完整地构思好作品，画各种草图，然后结合技术的可能性把最初的想法进行筛选、改良，最后通过层层技术叠加才能达到想要的效果。技术和材料的限制也是作品的一部分，有时对技术的掌握甚至会超过创作本身。整个创作过程是很冷静的，可能是因为经历了长时间的这种抽离创作主体的状态，所以会期待随性自然的创作方式。
Q：到了德国以后的创作思路打开也与环境和专业的不同有关系吧？
A：到了国外后，我更加清晰地知道自己想要做什么，开始主动去找自己的路。我所在的汉堡美院的确是非常实验的地方，我也没有一开始就要做绘画，而是抱着开放的心态都想试一下。尝试过后，发现还是绘画语言更适合我，它很纯粹、很直接，我想到什么就可以直接表达出来。比如说装置或者影像会像我之前做版画一样，要去考虑很多技术或材料上的问题，作品要通过各种转换才能呈现出来。绘画就是我一个人，可以从开头到结尾讲述全部的事情，一个人可以在一个地方完成整个创作。我觉得绘画这个媒介虽然很传统，但是也有新的语言和新的生命，也可以做得很当代。
Q：学者芭芭拉·波洛克论述年轻艺术家文化背景身份用到了“后护照身份”，强调很多艺术家的全球流动性的状态，你如何看待这个问题？
A：去到另外的城市，人家问我想吃什么，我第一反应就是去吃中餐。我觉得我们是世界人，但根源还是在自己的国家里面，中文永远都不会忘记，而且在和外国人打交道的时候，还是会有一些语言和文化上的隔阂。语言再好，生活再久，你能理解他们的方式，他们可能也能理解你，但是你的心里有一块地方，他们是理解不了的。
Q：你的创作会有一种流动感，生在巴渝的长江水系边，这种环境和气候对你的艺术创作或者心境有何影响？
A：小时候我们家就住在太白岩下面，在长江边上，我经常会跟家人一起去爬山。我永远都不会忘记那座山有多高，或者那些草是怎么长的，我们爬山的时候是什么感觉，以及长江是怎么流的，就像李白的诗：“两岸猿声啼不尽，轻舟已过万重山。”李白当时坐船看到的就是那个场景。出国后，发现德国这边没有山，爬一个很小的山坡，大家就觉得很开心了。这些差别其实都会对我有很多的冲击，也会带来很多的灵感。我的画虽然在当代西方绘画的语境里面，但是如果放到一个抽象绘画的范围里，又与西方的抽象绘画不同，因为里面其实有一些自己根源的因素。怎么去用笔、怎么去用一个炭笔的不同角度，怎么用不同的力度、怎么去处理一根线条，其实所有的这些都是融合在一起的，但是没有故意去弄一点中国元素或弄一点西方元素来，而是自然而然地就完全融合在一起了，我觉得也没有办法完全分开。
Q：所以在你创作的时候更多的是自然而然的过程，具体到绘画过程你是如何控制这种技术或者节奏感的？
A：我从开始艺术实践就一直在训练，想办法找到一个平衡点。德国这边很多作品是很感性的、即兴的，我也是从这个阶段过来的，后来我慢慢发现不能依赖于这种突然的灵感，即兴的这种状态是不稳定的。我解决的方法是发现新的材料和变换不同的材料，去发现材料本身的特质；或者是变换作品的尺寸大小，不断地去挑战不同的尺寸和不同的材料、不同的色系、不同的用色方法。
Q：抽象绘画中你会提前构建一个结构的模式吗？因为在你的创作中随意性的笔触中会有大的结构关系在，你会如何考虑这些结构性的内容，或者说会有预设吗？
A：其实我不喜欢说我的画是抽象绘画，是因为我觉得它也不是抽象的，它有它的叙事和抒情，可能每一个线条或者一个点都组成了一个故事，每一个线条都有自己的性格和生命，它可以表现一种具象的形态。而抽象有的时候只是一个观念或概念。创作中，我会在脑海里面稍微勾勒一下，我要从哪里开始、要从什么方向开始，要在哪里多一点、哪里少一点，主色调是什么……画大尺寸的画，我也会用手在空中画一下，试一下大概的构图和线条的走向。但是我不会画草稿，因为一旦有了草稿，创作时就会忍不住反复去看，那个草稿会成为创作的束缚。
Q：接下来会有展览计划吗？如何看待比较频繁的展览状态？会对你的创作有影响吗？
A：今年在国王画廊的个展结束后，7月在贝浩登首尔有个展，还有12月在当代唐人艺术中心北京空间的个展，今年也会有一些美术馆的展览，展览计划到明年年底都已经排满了。在规模大一点个展里，我也会把创作推进和过渡的过程展现出来，每一个展览呈现的都是不同的创作状态，也是我给自己做的一个阶段性的总结。我觉得这个过程非常健康，这样才能长期持续的去保持一个良好的积极的状态。创作时一切都是以很自然的方式在进行，我跟画布、画面的关系，就像跟我的植物一样，我会每天浇水，而它自己会接受阳光，自己生长。我给它浇水是给了它生长必要的力，但是我不会控制它生长的速度和方向，一切都是很自然的融合的，创作其实也是一个很自然的过程。
王茜瑶个展“森林里的狂欢”展览现场，2023。
王茜瑶《The light that cannot be caught no.2》2022，布面丙烯、油画棒，250×450cm图片由艺术家及MDC画廊提供。
王茜瑶在作品前。