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中国画是具有悠久历史和优良传统的民族绘画，在长期的历史发展中，中国画形成了不少分科，概括而言，主要有人物、山水、花鸟、界画。
人物画是以人物形象为主体的绘画，主要包括道释画、仕女画、肖像画、风俗画、历史故事画等。战国时代，我国就出现了成熟的人物绘画，并达到了较高的艺术水平。
人物画力求人物个性刻画得逼真传神，气韵生动、形神兼备。其传神之法，常把对人物性格的表现，寓于环境、气氛、身段和动态的渲染之中。故中国画论上又称人物画为“传神”。
山水画是以描写山川自然景色为主体的绘画。隋唐时期，我国山水画已成为独立的创作；至五代、北宋时期，山水画日趋成熟。中国山水画依技法和设色可分为水墨、青绿、金碧、浅绛、淡彩等形式。
表现上讲究经营位置和意境表达。
花鸟画是以描写花卉、瓜果、竹石、鸟兽、虫鱼等为主体的绘画。花鸟画的肇始很早，新石器时代的彩陶上、殷周时代的青铜器上，就有许多花草、虫鱼和龙凤之类的图案纹饰。传统花鸟画依题材可分为花卉、瓜果、翎毛（禽鸟）、走兽、虫鱼等类型。
花鸟画的画法大致可分为两类：工笔花鸟、写意花鸟。表现的方法有：白描、勾填、没骨等等。
界画是指以宫室、屋宇、亭台楼阁等建筑物为题材，而用界笔直尺线的绘画，也称“宫室画”“台阁画”或“屋木画”。界画创始于隋代，最早介于人物山水之间。
东晋顾恺之的《论画》中有我国关于界画的最早记载，但自元代之后，主流文人画家斥精细工巧的风格为画匠之末流，使界画地位逐渐降低。此论在明清成为画坛风气，画人唯恐被称为匠气，使界画无人问津，日渐衰微，及至近代竟成绝响，此为绘画史上的一大遗憾。
相对西洋画来说，中国画有着自己明显的特点。传统的中国画不讲焦点透视，不强调自然界对于物体的光色变化，不拘泥于物体外表的肖似，而多强调抒发作者的主观情趣。它讲求“以形写神”，追求一种“妙在似与不似之间”的感觉。
中国画在构图、用笔、用墨、设色等方面，也都有自己的特点。
中国画的构图一般不遵循西洋画的黄金律，而是或作长卷，或作立轴，能够很好地表现特殊的意境和画者的主观情趣。
同时，在透视的方法上，中国画与西洋画也是不一样的。透视是绘画的术语，就是在作画的时候，把一切物体正确地在平面上表现出来，使之有远近高低的空间感和立体感，这种方法就叫透视。因透视的现象是近大远小，所以也常常称作“远近法”。
西洋画一般是用焦点透视，这就像照相一样，固定在一个立脚点，受到空间的局限，摄入镜头的就如实照下来，否则就照不下来。
中国画就不一定固定在一个立脚点作画，也不受固定视域的局限，它可以根据画者的感受和需要，使立脚点移动作画，把见得到的和见不到的景物统统摄入自己的画面。这种透视的方法，叫做散点透视或多点透视。
这是中国的古代画家们根据内容和艺术表现的需要而创造出来的独特的透视方法。
用笔和用墨，是中国画造型的重要部分。用笔讲求粗细、疾徐、顿挫、转折、方圆等变化，以表现物体的质感。
一般来说，起笔和止笔都要用力，力腕宜挺，中间气不可断，住笔不可轻挑。用笔时力轻则浮，力重则钝，疾运则滑，徐运则滞，偏用则薄，正用则板。要做到曲行如弓，直行如尺，这都是用笔之意。古人总结有勾线十八描，可以说是中国画用笔的经验总结。
而对于用墨，则讲求皴、擦、点、染交互为用，干、湿、浓、淡合理调配，以塑造形体，烘染气氛。一般说来，中国画的用墨之妙，在于浓淡相生，全浓全淡都没有精神，必须有浓有淡，浓处须精彩而不滞，淡处须灵秀而有托。
用墨亦如用色，古有墨分五彩之经验，亦有惜墨如金的画风。用墨还要浓淡相生相融，做到浓中有淡，淡中有浓；浓要有最浓与次浓，淡要有稍淡与更淡，这都是中国画的灵活用笔之法。
由于中国画与书法在工具及运笔方面有许多共同之处，二者结下了不解之缘，古人早有“书画同源”之说。但是二者也存在着差异，书法运笔变化多端，尤其是草书，要胜过绘画，而绘画的用墨丰富多彩，又超过书法。
笔墨二字被当作中国画技法的总称，它不仅仅是塑造形象的手段，本身还具有独立的审美价值。
中国画在设色方面也有自己的讲究，所用颜料多为天然矿物质或动物外壳的粉末，经久不变。设色方法多为平涂，追求物体固有色的效果，很少光影的变化。