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奥拉维尔·埃利亚松（Olafur Eliasson）出生于丹麦的艺术家，以用自然气象元素创作的沉浸式装置作品闻名。他喜欢跨界合作，擅长运用装置、绘画、雕塑、摄影和电影等媒介创作。
对感知、运动和身体体验的兴趣，是奥拉维尔·埃利亚松艺术创作的驱动力。他喜欢用镜子、水、冰等禅意元素构造视觉来表达对自然、梦境和闪念的感受。埃利亚松力求艺术的关切能与大众社会保持联系，他的艺术实践并未局限在画廊内，而是借由公共空间项目延展到更广阔的领域。其作品中常有把绿地、冰山、迷雾等自然元素与观者的互动结合的设计，呈现的是对自然与人类之关系的多维思考。2019年7月，埃利亚松将在伦敦泰特现代美术馆举办大型展览。此次名为“奥拉维尔·埃利亚松：现实生活”（Olafur Eliasson: In real life）的展览将展出30多件作品，将是他在英国举办的最大规模个展。（本专题作品资料和图片均来自红砖美术馆“奥拉维尔·埃利亚松：道隐无名”展览；访谈内容选自雅昌艺术网，记者/罗书银，有删节）
您的作品中有很多人造的“自然”，比如太阳、瀑布、河流等，您想用“人造自然物”表达什么呢？
埃利亚松： 比如《道隐无名》，我做的这个“太阳”看起来像是一个太阳，实际上只有一半是我做的，另一半在你的想象或者是心中。我们实际上做了一个美术馆以内的太阳，还有一个美术馆以外的太阳，这个美术馆以外的太阳意味着什么呢？它可能意味着太阳能……还意味着一种精神世界，一种温暖，一种被接纳的感觉。所以太阳对于每一个人有着不同的意味，这全在于你自己的解读与想象中。
您的很多作品让观众觉得自己与空间产生关系，您是如何把自然中的存在变成人精神上的思考？
埃利亚松： 我觉得这是一个思维与身体的关系，我们仅仅是思考，不会改变任何事情，只有当我们真正用身体具体做这件事情的时候才可以造成实际的影响。我很难把一个纯粹的思想告诉观众，但是我可以抓住“太阳”这种非常明确的、具体的感觉。
您本人是如何认识自我，又是如何理解艺术与生活的？
埃利亚松 ：有的时候是我们去观看艺术，有的时候是艺术反过来观看我们；有的时候我们变得盲目，有的时候盲目回头看见我们；我是无比地确信艺术和这个世界是紧密相连的。艺术对我而言是一种触摸周围世界的方式。当我们去观看一件艺术品的时候，可能会感到自己的一部分被包容在其中；有的时候我们会在一件艺术品上认出我们自己的一部分。
装置，《圆角（0°，18°，36°，54°，72°，90°）》（2018）层压彩色玻璃、不锈钢和铝，234cm×90cm×90cm
两个半椭圆形红镜子在墙角相遇，形成一个弯折的椭圆形。
随着观众前进的步伐，椭圆将从被压扁的形状，逐渐变成一个正圆。
装置，《道隐无名》（2018）
镜面箔、单频光、铝、油彩（白、黑），450cm×900cm×12cm
由一系列单频灯发出的光芒将一切色彩化为黄灰色调，令观者的视觉感知变得锐利起来。这种灯常用于隧道照明以增强安全性，曾在埃利亚松的多件作品中出现。
绘画，《冰川风景》（2018）
纸面水彩和铅笔画，单幅151cm×151cm×8cm
此画用从格陵兰岛近海采集的古冰川冰进行创作。冰的逐渐融化产生的冰水将颜料冲散，制造出有机的隆起和褪色，从不同角度观看，可获得不同的内容和色彩。
装置，《聚合彩虹》（2016）
聚光灯、水、喷头、木、软管、泵，尺寸可变
一圈聚光灯由内向外照射在一道环形雾障上，形成了微亮的彩虹。但只有当观者走到特定角度时才能看到色彩，且当观者移动时，颜色在不断地变化。