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DATS翻译小组 著
绘画是一项很有趣的技能。它能用图形和颜色将你的想法展示给其他人看。而你只需要借用一些简单的工具！难怪有那么多人梦想着学习如何画画。可是，它并不是一项容易掌握的技能。这就是为什么画画比下棋和烹饪都难的原因。
在这篇文章中，我想告诉你，虽然绘画很难，但有时是你自己的想法让它变得更困难。这些想法阻碍着你的进步，给你带来不必要的挫折。如果你认识到它们，让它们消失，你就可以自由地学习，快速的进步了。
“我不会画画”其实是种见仁见智的说法，通常说这话的人想表达的只是：“我画得不太像”。他们不会去研究该如何去画得像，而是一开始就放弃了。为何？很简单，你要么会画画要么就不会，这不是一目了然的事吗？
这种观念从何而来呢？当你还是个孩子时，你经常画画，也确信自己有能力去画。直到你注意到有些小孩因为画得像而得到更多表扬时，你认为绘画的价值在于真实地描摹现实。可不管你多么努力，都无法画得更像，渐渐地你得出了自己不会画画的结论。
绘画的价值似乎就这样被定义了，就像你说“我不会烹饪”时，其实是指“我烹饪的水平没那么好”，而并不是“我不会游泳”或“我不会下象棋”中的“不会”。
任何一门技艺的学习都有一个从熟悉到熟练的过程。首先，从0（我不会）到1（我会一点）是一个阶段，还有接下来的各个阶段，每一阶段的提升都比上一阶段更加困难。假设10表示完美，你不可能从0阶段光速飞跃至完美。你可以追求完美，随着你的学习越深入，进步速度会越慢。
令人意外的是大部分人将绘画水平视为只有两个等级：0（一窍不通）和10（出神入化）。喜欢谁的画，谁就是大神；不喜欢谁的画，谁就是弱鸡。就这么简单？如此武断地下判断，你的画家之梦就完蛋啦。从0直接跳到10，中间的鸿沟你是怎么跳过去的呢，难道是凭借想象吗？
绘画就像料理，事实上有不同的熟练阶段。等级0的人连铅笔都不会拿，印儿都留不下。你可以吧？那起码你已经处于等级1啦。不过这完全是我自己编纂的等级排行，没有经过任何科学验证。根据你想达到的成果和你对绘画技巧的理解，这个排行也会不同。
1. 能持笔，能划线。
2. 能画简单的几何图形，但掌控不好，时像时不像。也能从别的图画上描拓线条。
3. 能掌握简单的几何图形。
4. 不论轮廓还是光影，都能临摹地惟妙惟肖。
5. 心中有物，下笔有神。
6. 对现实世界理解透彻，并能跳出经验进行创新（比如画一个你从没亲眼见过的姿势）。
7. 不仅能掌握轮廓，还能运用诸多技巧：超脱实体外的光影及质感。
8. 笔下之物亦幻亦真。
9. 作品源于想象，超越现实或／且独具一格。通过思绪和画笔创造出新的世界和纬度，行云流水浑然天成。
10. 啥都能画出来，假的画得比真的还真。已经登峰造极独孤求败了。
就像我之前所说的，各阶段之间的距离是在成倍地增长，这意味着每上升一个等级需要花费更多的时间去“提升”。同样也意味着在最初阶段会比后阶段较容易去掌控，初学者（第1和第2等级）和熟练的初学者（第3和第4等级）无疑会比专业绘图者（第5到第7等级）多。明显地，很少有绘图专家（第8到第9等级），并且几乎找不到完美艺术家（第10等级），即便“专家”们穷其一生都在追求这个等级直至他们生命的终点。
A：时间，B：努力程度
为什么我们要把这些等级列举出来？因为你可以简单地辨别你喜不喜欢一幅画。当你还是一个初学者，你只能看见这些，而一个熟练的画者才能在一幅看起来美丽的画作中区分出风格并看出其中的错误。而作为一个初学者，你注意不到错误的地方，因为你不知道什么是绘图的错误！因此，在绘图各个阶段就会出现这样的状态：只有“我希望我可以画成这样（第10等级）“和”即便我只能画成这样（第0等级）”。
然而，这些就导致了另外一个误区。
大家都有注意到，对于刚开始学画的人来说，他们的绘画技能总是无法完成他们大脑想要表现的画面，但是，他们却看到很多人好像很简单地就完成了绘画。当你认真的用线条去画简笔画的时候，他们却用相同的时间画成了一个写实的人物肖像，天哪，怎么能这样？
在我的多篇文章中，都提到了天赋问题，因为这几乎是最具打击性的因素之一。它会在你学画初期就令你丧失信心。很多时候，你已经尽力去画了，但是结果却不尽人意，这时你就会怀疑自己没有天赋，深信自己永远都不可能画好画。于是你就放弃了。
每当你称赞别人“我多么希望画得能和你一样好啊”的时候，这件事就会变得很讽刺，这难道不就是对于自己没有绘画天赋的一种悲怜的表达吗？更可悲的是，你把自己的不幸比作失去光明的人，盲人不能绘画——你在表达的是你也有同样的缺陷？
天赋可以看成是使一个人更加有效学习的一种特质或能力。一个有天赋的画家可能比其他人会更快地通过前几个层级，但是他们并不能幸免于每个阶段困难指数的增长。有天赋的人也许可以轻松地通过前面几个阶段，在此期间他们甚至没有注意到自己是在学东西，他们期盼自己会快速达到10级，但事实证明，很多人会卡在第4阶段，进入“瓶颈”阶段并持续很久。
需要注意的是，绘画能力达到4级以后难度会加大，你需要尝试聚焦“创作出意境”等等，前方道路不会再如此平坦，而有天赋的画家们需要努力熬过这个阶段，这也是有些天赋画家会半途而废的原因之一。对于一开始就刻苦学习的你来说，学习难度越来越高属于正常现象，而对于一个有天赋的人来说，这就像经过一段平滑地带后，突然撞上了一堵墙！
所以，有天赋的人在起步阶段会容易些吗？是的，但它并不是我们想象的那种巨大的优势，它更像是在满分为100分时，有个+5分的优势。即使你假设有人天生就是4级，别忘了这些前4级的能力也是最容易学到的！如果你很普通并选择接受现实，那你就该清楚除了刻苦学习没有其他捷径可走，与此同时，赶上他们也不是太困难的事情。
当你看到一个漂亮的作品在几分钟内被画出来，这并不意味着这个人是有天赋的。你在这几分钟看到的也许是多年练习的结果，并不是与生俱来的天赋。有很多天才艺术家在3级阶段时也并不清楚自己是具有天赋的，因为他们和职业画家相比，技艺还是有很大差距的，因此无论你再哪个阶段，都该脚踏实地去努力。
如果你觉得绘画的技巧自然而然就会习得，那事实一定会令你大失所望，就算有天赋的人也不会轻松习得这门技巧。如果你不先分析手的结构，就算你画上百遍也不会有任何进步。不要等着技能神奇地来找你，还是开始主动学习吧！
这点是延续上述关于天赋的话题。当初学者画画的时候，实际上他们没有创造出任何东西。他们仅仅是将大脑中的记忆通过铅笔转到纸上，这就是天赋之谜的最好诠释。当一个物体留在我们脑海中时，它们才可能会被记录在画布上，这跟走路和说话是一样的，这些技能不需要我们刻意留意，随着年纪的增长，我们无时无刻不在学习这些技能。绘画能力的最初几个阶段正是基于我们可能已经学会的这些东西，如果平时在脑海中加深过对某件物品的记忆，那么对这件物品的描绘就会更容易一些。比如，如果你认真关注过握勺子的技巧，那当你握住一支铅笔时就可能会发现它与握勺子有着相同的技巧。
随着绘画能力的提高，我们会开始注重创造，并离现实越来越远。如果你随时能走回去，到现实生活中多看看，那你就不需要努力地去回忆猫长什么样子了。如果你观察过自己的膝盖，那你就不必分析人的膝盖是怎样弯曲的。基于这些悉心观察基础上的绘画练习才会让画作变得更加逼真，否则你是没有机会得到进一步深造的。
一些有经验的画家脑海里藏有不少技能，他们能用草图勾勒出结构精准的人类轮廓，而不必借助任何辅助线，他们之所以能这样，这背后一定有着数万或数亿小时的悉心观察与努力练习。其实，这适用于任何技巧，如果你坚持不懈、持之以恒去练习，慢慢地，你的水平就会变得炉火纯青。
一个有天分的初学者视绘画为一种“出效果”的东西，事实上也确实如此。开始画画时你就像个孩子那样本能地画着，你会注意到画得越多，画得也就越好。
然而，通过这种途径你只能够达到级别4，因为初学级别是建立在动手和观念的基础之上的，这些是无意识的学习。如果你有出色的记忆力，你甚至能达到级别5，但这也是你能达到的最高级别了。
一个区别天才和技艺娴熟的艺术家的简单方法是：技艺娴熟的人，并不会拘泥于每一张草图，因为他们知道如何重现这个效果，也知道怎样能让下次画得更好。天才艺术家会画很多画，当偶尔有什么东西逼真地浮现了（偶然地，并非通过技艺），他们就马上意乱神迷地投入进去了。他们并不知道自己是怎么画出来的，所以也就无法重绘出同样的效果。
最坏的情况是，你压根不知道为什么这张画比另一张好，自然而然也就不能从中自我学习和检讨了。对于一个技艺娴熟的艺术家来说，没有什么效果是画不出来的，有的只是发现缺点，而这些缺点可以在下一次绘画中改正。
不要以为画着画着就会变好，问问自己为什么没有变好
如果你在某段日子里发现自己画画的功夫时好时坏，那说明是时候需要改变下自己这方面的观念了，停下来休息段时间，直到可以做到“我手画我心”的时候再重新拿起画笔。找一幅比较好的画，把它和不好的画放一起进行对比，找出两幅画之间的区别，并总结一下你从中学习到什么，问自己是否可以在下一次画画的时候运用到。如果你的画没有画好，你要问你自己为什么会这样；是什么原因让它如此糟糕；你为什么不喜欢它。
打个比方，如果你要画一只狼，它的腿部看起来过长，而且过于弯曲，那你应该去看下真实的狼应该是什么样子，再回来修改。不要太过依赖你记忆中事物的样子！如果你功底很好，但是画出来的样子却和实际相差很远，那可能是因为你记忆中认为它就是这个样子。
这些年，你记忆中的事物让你想当然地去画画，并让你提升至今天这样的一个阶段。如果你想要往更高的方向发展，那你需要正视这些问题，修正脑海中那些不精准或者不正确的记忆。
难道这不是让你画画的理由吗？当我们还是小孩时，我们单纯为了快乐画画，不久后就会发现画得好的话能带来赞赏。赞赏对我们来说是非常重要的！但如果你把它当作你画画的唯一动力，那么你就准备好遭受一些挫折吧。难道你真的会为了取悦别人而一天花几个小时钻研一种技术吗？
有多少次当你秀出自己引以为傲的画作时却并未得到多少肯定的回应，你创作时所享受的快乐光阴，以及当你完成画作时的满足感，全都因为一些陌生人的反应并没有像你所想象的那样喜欢它而化为灰烬。也许你会考虑不再把作品展示给其他人，但是最终，你还是会这样做，因为你希望获得赞扬，它让你觉得这一天的埋头创作是值的。
学习的乐趣，创造时的满足感，就算没人看得见，但它是真实存在的。你想把它分享给他人是很自然的反应，但当它成为你创作的唯一动力时，其结果却往往会导致你一次次的失望。
所以当你有了“我想要画画”的感觉时，先问问自己为什么想要画画。把想要画画的理由列出来，看看它们是否值得你付出。学习如何画好画并不简单，它将花费你很多的时间，而这些时间你完全可以用来做其它的很多事情，所以你需要清楚知道，画画是否是你真正想要的。如果“被别人赞赏”这个理由排在你的理由列表第一位，那么也许把注意力花在你喜欢的事情上会让你得到更多地赞赏。
很多人会沉迷于某种创作风格，但风格有时会阻碍你进步，现在我就告诉你为什么它会对你的进步造成障碍。
画画这项技能在很多文化历史中最早都是被用来再现真实场景的。显然，你画得越逼真就说明你画得越好。然而自从摄影技术被发明以来，我们就不把画作和真实场景做对比了，而是将画作与照片来做对比。那你可能会认为这其中并没有什么差别，但事实上，照相机所独有的光学透镜及其硬件设备使其在捕捉和定格场景时，与我们人类的眼睛和大脑所捕捉到的画面是不同的。
照相机捕捉到的画面已真实到足以让我们相信这就是真实的场景，但我们并没有注意到照片也只是表达真实画面的一种方式而已。就如一部电影，即使附着着情感的表演和恰合时宜的音效，也依旧不能完全表达真实的场景画面。
照片让我们相信真实的场景就是这样的：
但实际上我们看到的画面更接近这样：
还有一点就是我们人类有极强的图形识别能力。不需要100%的相似于真实的事物我们也能将其识别出来。画画的时候我们会用的线条以及用明暗不同的色块去表达光线和阴影，但也许在我们周围的现实世界中它们根本不存在，但通过这种简化形式来重现真实场景的艺术手法还有很多。
除光学镜头和物理硬件之外，另外还有第三种影响画面的因素——感知。同一张照片不同的人来观看就会有不同的理解，而这些不同则是基于观看者的经历、记忆甚至于他在那一刻的此情此景。一种颜色的变化可能将一幅画的基调从喜悦变为悲伤，从一个满载希望的故事变为一个绝望的故事，你也可能会为了情感的表达而牺牲掉画作的写实性。
谈及至此，我们就得扪心自问，为什么我们要固步自封，把自己局限在临摹照片上，明明有一万种方法可以诠释现实，只要我们可以加一点自己的想法，就可以使一幅画变得更完整，这远比照片仅限于记录细节要更精彩。我们明明可以通过我们的画来表达自己的想法，为什么要拘泥于毫厘的偏差追求完美的写实呢？
看到一幅风格化的画以及一幅写实的画作放在一起，你会认为后者比前者更胜一筹吗？好好想想！一幅绝对现实的写实画作可以通过复制像素点来完成，并不需要独特的绘画技巧，只是需要耐心以及时间而已。
我们可以称这样的工作者为艺术家吗？他们创造了什么吗？他们在制作中付出的努力确实值得我们尊敬，但是这是真正意义上的创作艺术家吗？
风格主义并不比写实主义简单，并且也并非是懒人和没有技巧的人的创作方法（只要你不抄袭他人风格的话）。相对来说，它更难一些。某种程度上，个人主义是一种创新的现实主义，因为在现实中没有相应的副本以供参考，它与我们印象中的现实格格不入。
但是必须声明，以上言论并不代表你不需要了解现实，并且把它运用在自己的画作中。每一个人的风格都是对现实的一种阐释，也基于一定的规则。如果你展示了一幅自认为很不错的画作，但有人抨击其不现实，不要急于用“这是我的风格”来辩护。风格是具有意图性的，亦或是你的本意就是想画得像，亦或是你并没有任何意图，那就别自欺欺人的用它来做辩解的挡箭牌了。
这同样是与天赋有关的一个迷思。如果你已经学习绘画多年却仍旧进展缓慢，与一些初学者相差无几，这可并不代表你毫无绘画天赋，更可能的原因是这些年你一直没有掌握真正的学习方法。
这可能和前面谈到的第三点有些关系。如果你所谓的“学习方法”是建立在不断重复画同样的东西直到画作感觉似乎越来越好了这一过程上，那就难怪你总得不到满意的结果。这就仿佛是一心想到达一个明确的目的地却只是闭着眼睛开车一样。
以上两种人都在练习绘画，第一种是等待技能从天而降，另一种则是发现问题并寻求答案。
更何况，你可能都没有做到竭尽全力去学习。就像你坐在车上，但是车并不会自己向前行驶，随之你就下车了，此时的你别无选择只能待在原地，这是同一个道理。一旦你迷信天赋，这种情况就可能发生。这时候，你所需要做的就是改变你对绘画不切实际的期望。你需要在绘画上投入更多的努力，如果这对你来说很简单，那么你很可能根本没有在真正地学习。
当然，也有可能你的确不适合绘画。比如有一些残疾导致了你无法进行绘画。这种情况下，如果你仍怀揣着创作的初心，那么可以选择一些其他的创作形式：比如涂鸦、雕刻、刺绣。如果你的动机是受到崇拜，那么也请停止，别让自己陷入“不可能”的泥沼。反之，世上有很多更加简单并且快乐的方式能让你受到他人的肯定。别因为觉得简单就认定了绘画，因为绘画从来就没有简单过。
这又与第一点相关，绘画并不是一项单一技能，相反，其涉及范围甚广，要求各异，比如对于漫画家是一种要求，而对于建筑设计师又是另一种规范了。想画好，需专攻，试图精通各种绘画技能，最终会导致每项都表现平平。
一直到第5阶段，绘画技能似乎是统一而客观的。但是，一旦你达到第5阶段，就需要决定专攻的方向了。动物、人像、场景、交通工具、服装、建筑、武器或者再细分，你会发现更多的品类。比如，动物包括了远古神话中的神兽，接着有恐龙、哺乳动物、两栖动物、爬行动物、鸟类，再往下细分，数不胜数，有好多需要学习的。
按照以上方式，最终你会领悟到绘画的真谛。达到第4阶段之后，你会根据参照物画你所想画之物了，但是，如果你真想去创造，就要开始下番功夫了。没必要全部都学会，挑选你感兴趣的，可能是一开始吸引你画画的某物，然后全心投入，全力以赴。
专业细分就像碎片，你可以深入再深入，去挖掘那些细枝末节，无穷无尽。你可以将其看作是角色扮演游戏里的发展树形图，可以在一个技能上投入很多，或者在其他方面更灵活地使用该技艺。所以作为一个初学者，你笔下的动物完全有可能比画武器的专家笔下的动物要更好。
请相信，这是一个真理。一个好的艺术家不能随心所欲地画其所想，但是他们可以学其想学，他们知道自己想要的是什么并且知道怎样去规划自己的技能提升之路。诚然，能专攻最好，至少在你选择的方向里专精，那感觉很棒。不要随便从人像范畴跳到场景范畴的绘画中，而跳转的原因仅仅是因为你看到其他人在画场景。
你读着某本书的第一章，手上拿着HB铅笔和廉价橡皮，面前摆着一张薄薄的打印纸，你开始产生疑虑。这就好比你在尝试一个新的菜谱但是没有一点食材，你要考虑用什么东西来代替食材，工具／材料的缺乏让你越发怀疑接下来即将发生的所有事，更担心它的最终结果，其实大可不必这样焦虑。
这与你看见有些人在使用手绘板画画是一样的，事实上你只需要一支铅笔。他们可以使用图层，他们可以撤销每一个错误，他们有颜色。而你一定在想，仅靠铅笔不可能画得与他们一样好。我们换一种假设，如果你已经有一个手绘板，但并不是像Wacom Cintiq系列一样是内嵌屏幕的，那你同样会因自己的线条画的极其潦草而沮丧不已吧。
这里有一个对你来说极具启发的案例——《达芬奇的手稿》。达芬奇当然不可能有手绘板，更不用说Wacom Cintiq了。因而，你可以使用任何笔来创作，甚至是钢笔，工具不重要，你需要做的只是专注于你学习的内容，如果你可以让它发挥自己的作用，那么一个HB铅笔就可以做得很棒了。
绘画技法有无数种，因而你有很多种工具可供选择，但这并不代表你要用最好的工具才能画出好的画，或者说没了工具你就注定完蛋。使用对你现在来说最简单的那一种工具并熟练掌握它。一旦你很好地掌握了一种工具，达到第6级，你就可以拓展你的技法，但是不要仅仅因为某种工具难用就轻易的转去用另一种工具。
绘画常被看作是小朋友的游戏。所有小朋友都曾画过画，但只有少数有天分的孩子会坚持到长大。如果你认同这个观点，你恐怕很难在20岁的开始时候画画，更別提40或60岁了。事实上，年龄并不会阻止你去坚持梦想。
有数据称，即便是一个有天赋的小孩也不会比一个自觉且有毅力钻研学画的成年人还要厉害。让我们再次看看那张画画等级列表：前4个等级的要求是几乎沒有意识性的练习，其实这就是小孩画画的方式，他们就只是去凭借记忆在画而已。因而，即便是一个极具天赋的孩子，也不会立即进入5级和6级，而是进入到“猜谜阶段”，孩子的心智决定了他们继续保持着无意识的学习，导致无法晋级。就因为如此，小孩不太可能会比一个有意识要学习的成人画得好。
是的，首先你可能需要在前几个绘画等级追上这些有天赋的孩子。你可能已经忘记了大量的动手技巧，甚至你又得重新熟悉如何握好一支铅笔。不过这些都不代表你做不到或学不好画画这件事。这跟学习弹奏乐器是没什么差别的，不必担心起步太晚，更不必被“它很难”的想法束缚住，事实是它本来就应该很难。
画画并不是一个必须在小时候就开始学习的技能。当然，画画跟年纪是有关联性的。年轻人责任相对更少而且有更多的时间可以去做那些感兴趣的事情。当你越来越老，你会对评判付出与产出的比例，因而画画本身变得不再快乐。你可能会对很多事情已经不擅长了，比如篮球或是打游戏，但是你仍然能跟朋友一起享受它们的快乐，相比之下画画似乎在画不好之后，就失去了价值。
“小孩都画得比我好！”这件事情会让你感到泄气，原因在于你认为每个小孩都会做的事情都比较简单，你会发现有两种人在画画：小孩和技术娴熟的大人。如果你不是这两者之一，你会感到绝望。你不画画了，停止进步了，而你恰恰忽视掉的事实是，你不再进步是因为你不知道有些绘画技巧是必须要学习，而不是只是画就可以，它们一定是困难的，而不是你想象中那么简单的，因此遇到挫折也是再正常不过的事情了。现在你知道了真相，还有理由不回来继续画画吗？
你要知道，如果没有多年的持续练习，你的绘画技能就只能像个孩子，甚至更低。你是初学者，所以画不好很正常。你感觉很糟糕，是因为你的自尊心与野心在做祟，你必须抛弃对绘画的偏见，即刻开始着手学习，就像你学习其他技能一样。并且要深信，年纪大，这没什么好羞耻的！
你可能还会遇到另一个阻碍，那就是时间不够。现在，你担负比学校活动和家庭作业更多的责任，所以你不能像孩子那样花太多时间在绘画上。我不可能知道你个人情况，但通常每件事情都有一个优先顺序。如果你还有时间做其他喜欢的事情，如看电视或玩游戏，挤出时间去做这些事情，而不是画画，这就意味着你给了画画太低的优先级。
所以这不是“我希望我有时间来练习绘画”，而是“我希望，绘画比其他爱好更重要，我能为它挤出时间”。不过，这仍然没有什么错。你只需要接受你可以画得更好，只是你自己不去做。不要去指责你忙碌的生活，也不要因为年龄或天分这样的理由抱怨连连。
多数人对素描的理解都有误区。我们知道素描和雕塑有明显不同，但涉及到二维的艺术时，我们趋向于认为它们都源于一种技巧。
但我要告诉你，素描和绘画并不一样。如果你认为自己精于素描，却在转向数字艺术领域后发现自己连调色都不擅长，那这并不能说明你不擅长画画，而是因为你正在转向另一个与素描完全不同的领域。此时无论你有几年的素描经验都于事无补，因为你需要从手绘板开始一个全新领域的学习。
素描和绘画有一些重合的技巧，这些技巧也适用于雕塑，但设计专业不同，技巧随之会发生变化。比如对形体准确度的把控在素描中就要比在绘画中更重要。
素描是基于线条的，不论长的或短的，粗的或细的，它们永远都是线条而已。有时你可以用棉签将它们混合，但是大多数情况下你都需要借助一些特定技法，例如交叉排线去实现这种效果。
这种混合的方式对于数字艺术家们特别的重要，因为使用Photoshop或者其他类似的软件都是基于这个目的：将素描与绘画融合在一起。你在搜索教程时需要格外小心，因为其中有些教程会同时掺杂各种技巧，混乱的技法可能会迷惑初学者。
在学习如何画素描时，最好是忽略颜色的问题。你的素描作品不需要靠颜色让它看起来惊艳，所以你只需要专注于让素描作品看起来很棒。另一方面，光线是你在进阶时必须加以训练的。但是基本准则是：别太着急，在确保自己已经精通一项技能后再去尝试下一项技能。
英文中两种绘画的说法drawing和painting是有区别的，Quora上的解释是，drawing和painting的区别主要在于工具、材料。根据作者给出的文章Is Digital Art "Real" Art? Facts and Myths About Digital Creating，我们也在这里做个小科普。
大家看下面两张图和说明就能一目了然什么是Drawing，什么Painting。
Drawing：
Drawing是基于线条的。
主要工具：
Graphite石墨
Marker马克笔
Ink墨水
Crayon蜡笔
Paint油漆
Pastel彩色粉笔
Painting：
Painting是块状的。
主要工具：
Oil paint油画
Acrylic paint丙烯涂料
Gouache水粉
Ink墨水
Tempera蛋彩画
Watercolor水彩
所以，我们在这里将二者分别译为素描和绘画，如果有更合适更专业的说法，欢迎指正。
绘画最大的误解之一是画画太简单了，简单到一个小孩子都能做到。这种误解导致你会认为如果自己画不好，那就是没有足够的天赋。假使你能摆脱这种错误的思维方式，像对待其他技能一样对待绘画，你也许能获得更快的进步。不管这条路看上去有多漫长，你都可以勇往直前并取得不错的成绩。
另外值得一提的是，你没有任何义务需要把它画好看。你也许永远都不会成为一位知名的艺术家，但这并不代表你是失败的。学习绘画是一件极其自我的事情，只要你享受绘画，最终的结果不重要。如果这样都说服不了你，那你可以想想，你已经比那些不敢学习画画的人强多了，这样一定让你倍感欣慰。切记，不要让你的野心在一开始就成为你的障碍，放手去画吧。