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媒介（medium，复数是media）一词，指的是艺术创作所用的材料。媒介的种类有很多，包括画布上使用的不同种类的颜料（如油彩颜料和丙烯酸颜料），还有墨水、大理石、水泥、木料、玻璃和金属。艺术家也会借助各种技术手段制作版画、照片、视频、声音和数字图像。混合媒介的意思是使用两种以上的材料来制作艺术品。20世纪艺术家罗伯特·劳森伯格（Robert Rauschenberg）的作品《组合》，就是混合媒介的典型例子。他于1959年创作的《峡谷》（ Canyon ），通常被认为是一幅画，但是它的创作材料却包括油彩颜料、铅笔、纸、金属、照片、布料、木材、画布、纽扣、镜子、一个老鹰标本、一个用绳子绑住的枕头和一支颜料管。
“平面艺术”（graphic art）这个词的涵盖范围很大，包括二维艺术品，如绘画、油画和版画，尤其是那些强调线条而非颜色的作品。作为范围很广的一类艺术，平面艺术却不同于平面设计，后者指的是包含文字和图像的印刷作品。
素描是平面艺术的一种形式，通常用铅笔、炭笔、蜡笔或墨水在纸上绘制。一般说来，素描是黑白的、由线条组成的图案，但是，素描的定义比较灵活，而且随时间发生了很大变化。在文艺复兴初期人们看到素描，就会想起它脆弱的材料，因而认为它们不是完整的艺术品。素描是艺术家做前期准备时绘制的草图，也是艺术家与资助人交流作品想法的方式。直到文艺复兴晚期，素描才开始被认为是一种独立的艺术形式。
草图是快速画出的初步素描。
颜料是由有颜色的物质（通常是粉末状的）和一种黏合剂（如水或者油）制成的混合液体。绘画是一个拉紧的画布或木板之类的二维表面，而且上面用很艺术的方式涂了颜料。壁画（wall mural或fresco）可以算是一种绘画，同理，纸上的作品也是绘画，如一本书的插图手稿或手卷。最常见的颜料是油彩颜料、蛋彩颜料（常见于意大利文艺复兴时期绘画）、水彩颜料和丙烯颜料（一种现代的水溶性颜料）。
油彩颜料是有色物质与油混合而成的，常用亚麻籽油或其他植物油。油彩颜料呈色美丽、鲜艳，而且因为干得很慢，所以很容易与别的颜色混合。文艺复兴晚期，荷兰画家的油画技巧日臻成熟，油画也因此慢慢地传到了整个欧洲。在文艺复兴时期的意大利，尤其是托斯卡纳地区，比起油彩，艺术家更喜欢使用历史相对悠久的蛋彩颜料。蛋彩颜料由有色物质和蛋黄混合而成，比油彩颜料干得更慢。和油彩一样，蛋彩颜料色彩鲜艳亮丽。
油彩颜料是有色物质与油混合而成的，水彩则是有色物质与水混合制成的，通常用于纸上。水彩上色很薄，呈现一片淡淡的透明颜色区域。19世纪以前，大多数时候水彩只被用于快速绘制草图，不像其他绘画种类那样高雅。然而，19世纪著名艺术评论家约翰·拉斯金（John Ruskin）对它进行了推广，艺术家特纳（J.M.W.Turner，使用油彩和水彩）也用水彩绘制了令人印象深刻的大型画作，自此之后，人们对水彩的看法有所改变。如今，水彩仍是广受世界各地艺术家欢迎的一种媒介。
水粉（gouache）是一种不透明的水彩颜料，也被称作“体色”（body color）。由于添加了胶水和白色颜料，水粉颜料具有不透光性。
丙烯酸是一种合成涂料，它同时具有油彩和水彩的部分特性。丙烯酸可溶于水，但是有些也可以与油混合。丙烯颜料变干后，看上去很像油彩。作为20世纪的发明，它是最受现当代艺术家欢迎的颜料类型。
色蜡颜料是有色物质和热蜡（如蜂蜡）混合而成的。色蜡是古希腊的发明，流行于古罗马，尤其常用于绘制雕塑，因为色蜡颜色鲜艳饱满，可保持时间较长。尽管色蜡技术很难掌握、需要大量人力，但是一些20世纪的艺术家却重新开始将其应用于艺术作品。当代艺术家贾斯珀·琼斯（Jasper Johns）就以使用色蜡著称。
彩色粉笔是一种素描时常用的材料。将有色物质加入树胶或树脂，做成小棒的形状，粉笔就制成了。当使用彩色粉笔在一个平面上绘图时，涂上的颜色呈粉状，可以用指尖涂抹或混合。画完后，粉笔画需要用一种喷剂固定，否则色彩会被弄脏，但是这些喷剂有可能导致褪色。埃德加·德加（Edgar Degas）和玛丽·卡萨特（Mary Cassatt）就是使用彩色粉笔作画的著名印象派画家。
版画是一个机械制作过程，艺术家可借此为一张图像制作多个副本。最早的版画形式之一，是在日本和中国流行了上千年的木刻版画。制作木刻版画时，艺术家在一块木板上刻出浮雕图像，然后给刻好的表面上墨，将木板按在纸上印出图像。套色版画或彩色版画则需雕刻多块木板，将各个木板上的图像一一套准后叠印而成。当代艺术家仍然使用这种方法，但是他们常用麻胶板来替代木板，制作出的版画称为麻胶版画。
其他版画种类包括15世纪发明的凹版画。制作凹版画时，将图像刻入一个金属板（如铜板），将凹下的部分填满油墨，然后按在纸上。凹版印刷中，印出的图像与金属板上的图像是反向的。常见的凹版技术包括雕刻、蚀刻、针刻和飞尘蚀刻法。
雕刻和蚀刻都是制作凹版画的方法。雕刻法中，艺术家使用锋利的尖头刻刀（法语名为burin）在金属板上刻出线条，将金属板上墨，油墨随即流入雕刻刀刻出的凹槽内，然后再把金属板按在纸上。针刻法与雕刻法类似，只不过用针代替刻刀。
蚀刻法则有些不同。蚀刻法中，艺术家在金属板上涂一层耐酸材料。与直接在板上雕刻不同，艺术家是在这层材料上绘入图案，露出底下的铜，随后将铜板浸入酸性液体中。暴露的铜板被酸侵蚀，形成凹入的线条，呈现图案。铜板在酸性液体中浸泡时间越长，凹槽就越深，能填入的墨量就更多。金属板做好后，就可以按在纸上，印出图案。飞尘蚀刻法是一种蚀刻方法，艺术家用这种方法可以制作不同色调或墨量的区域。飞尘蚀刻法是18世纪的发明，制作时需将树脂加热，涂在金属板表面，随后将其放入酸性液体，耐酸漆用于制作最终印刷图案上的留白部分。
石印是制作版画的一种方式，艺术家用特制高密度蜡笔在一块平整、光滑的石板上绘制图案。涂在石板表面的油墨粘在油腻的蜡笔痕迹上，艺术家即可将纸按在石板上制作印刷品。石印术是18世纪的发明，用这种方法创作的艺术家可以自由绘画，无需雕刻。
希腊语中phos即“光”，graph即“绘画”，因此，英语中photography（摄影）字面意思为“光的绘画”，这个词本身就对摄影的过程进行了解释。摄影术发明于19世纪，是通过照相机中感光介质的曝光记录图像的方法。相机其实是一个无光的暗箱，里面装着摄影胶片。摄影师用照相机对准想要拍摄的场景，通过迅速开合相机快门，使胶片向该场景短暂曝光，胶片上的光敏化学物质见光发生反应。在暗室里将胶片浸入显影剂，就可以使反色图像显现。不过，当代摄影师通常在电子设备上完成这一步骤。摄影可以说是历史上意义最重大的发明之一。尽管最初仅仅是一个科学上的尝试，但如今，摄影已经成为重要的艺术媒介。想要了解更多包括银版摄影法在内的摄影发明知识，请见“从工业革命到第一次世界大战，约1850—1914年”部分的内容。关于现当代摄影师的内容请见“当代艺术，20世纪60年代至今”部分的内容。
包括素描、绘画在内的平面艺术是二维的，但雕塑则是三维立体的。创作雕塑的艺术家称为雕塑家。传统上来讲，雕塑家用雕刻、模制、铸造等不同的方式创作，当代雕塑家有时还用构建（或者装配）的方法来制作作品。艺术家根据创作技术选择不同材料，石材（如大理石）和木材常用于雕刻。米开朗琪罗著名的《大卫》就是用卡拉拉大理石雕刻而成的，这种美丽的灰白色石材产自托斯卡纳。模制则需要黏土等更软、更可塑的材料。20世纪70年代，中国古代的秦始皇陵中曾出土了超过七千个陶俑兵士。陶器（terracotta，意为“焙烤过的土”）常用作模制雕塑，尤其是在古代。
铸造是一种更复杂的雕塑方法，这是一个耗费大量劳力的过程，主要材料为金属，如青铜或其他金属合金。在一种叫作“失蜡法”的青铜铸造技术中，需要将融化的青铜倒入雕刻成雕塑阴像的蜡范里。待青铜冷却之后，加热蜡范使其融化，露出完成的青铜雕塑。应用不同的方法，可制作出实心或空心的雕塑。通过铸造法还可以制作一件作品的很多副本。例如，奥古斯特·罗丹（Auguste Rodin）的19世纪名作《思想者》（ The Thinker ）就被重新铸造了很多次。雕塑的尺寸从微型到巨型都有，而且可以是具象的或抽象的。世界各地有各式各样的材料制作出的雕塑。
雕刻是削减雕像的一类，因为它是通过除去部分材料创造出形象的过程。米开朗琪罗相信，他雕刻的每块石材中都有一个人物等着被展现出来。与此相反，堆增塑像则是通过增加材料逐步创造出形状的过程。铸造和装配都是堆增的例子。
浮雕是一种在可塑材料表面设计雕刻的雕塑形式，例如橡皮图章，但是浮雕表面不一定是平整的，且只能从一个最佳角度观看，通常就是正面。而圆雕则是独立的，可从全方位欣赏。观者可以绕着圆雕走一圈，从多个最佳角度欣赏作品。
表演艺术包括戏剧、音乐、影像和视觉艺术。通常，艺术家会主动参与他们的作品。尽管具有表演性质的仪式艺术已经在世界各地存在了上千年之久，但是当代表演艺术，是作为20世纪早期未来主义和超现实主义运动的一部分发展起来的。著名表演艺术家有约瑟夫·博伊斯（Joseph Beuys）和布鲁斯·瑙曼（Bruce Nauman）。更多关于当代行为艺术的内容请见“当代艺术，20世纪60年代至今”部分。
“装置艺术”一词是20世纪70年代发明的，指为特定空间（通常是室内的、临时的空间）设计的艺术。装置艺术可由雕塑、影像、表演和混合媒介组成。从某种意义上讲，博物馆或画廊的展览空间本身就可以是一件艺术作品，装置艺术依据空间构想而成，观者与空间的互动是这类艺术形式的核心。装置常常有明确的主题和想要传达的信息，并且可由一个或一群艺术家设计。著名装置艺术家包括瑞秋·怀特里德（Rachel Whiteread）、珍妮·霍尔泽（Jenny Holzer）。艺术家苏万·吉尔（Suvan Geer）甚至在她的装置作品中加入了气味的元素。更多例子请见“当代艺术，20世纪60年代至今”部分。
传统上讲，装饰艺术（decorative arts）是指具有功能性的物品。例如，一个首饰盒可以有漂亮、复杂又精细的金属装饰，但是盒子本身是用来放置珠宝的。相反，美术（fine arts）则没有实用目的，仅为纯美学意义而存在。比如绘画和雕塑属于美术作品，而家具、陶器、金属器、珠宝和一些纺织品则是装饰艺术。随着当代艺术家和理论家不断地对艺术的功能性是否重要提出疑问，装饰艺术（以及手工艺）和美术之间的界限也越来越模糊了。
纺织品就是棉花、羊毛或丝（或合成纤维如涤纶）制成的纤维织物。这些纤维经过纺织、制毯、毡合等各种各样的技术制成布料。在世界各地，纺织品都属于主要艺术形式，而且越来越受当代艺术家的欢迎。
这两个词都代表制作织物的方式，尽管它们的制作技术有所不同。在纺织（weaving）中，被称作“经纱”的线与地面垂直固定在纺织机上，而“纬纱”保持水平，与经纱十字交叉。不同颜色和图案的组合可制成不同的纺织物。纺织已有上千年的历史，最早的纺织布料是在土耳其发现的，可追溯到公元前7000年左右。制毯（tapestry）是一种特殊的纺织类型，其中经纱是隐藏的，而且这种方法制作的织物常用作装饰和墙上的挂毯。
贝叶挂毯的局部
刺绣存在于世界各地，是一种将丝线绣在织好的布料（如羊毛或丝绸）上的装饰性纺织艺术。尽管11世纪的“贝叶挂毯”（Bayeux Tapestry）被称作一幅挂毯，但实际上却是一例刺绣织物。这幅长达70米的杰作描绘了1066年诺曼人征服英格兰的历史事件。了解更多内容请见“中世纪，约400—1300年”部分。
珐琅彩是一种用于装饰的有色玻璃，烧制后可与金属黏合。最早的珐琅彩艺术形式，是拜占庭时期和欧洲中世纪流行的掐丝珐琅器。在制作掐丝珐琅器时，需将金属线围成的小格子固定在金属板上（称作“掐丝”），然后在格子里填入珐琅彩，并将整件作品放在窑中烧制，以呈现宝石般的效果。